2026
10/09
10/11
ART Verona 2026
October 9 - 11 , 2026
2GIL29 GALLERY 이길이구 갤러리 | Booth No. AW8
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Presenting Artists
김재용 Jaeyong Kim (b. 1973)
마이큐 MY Q (b. 1981)
음하영 Hayoung Eum (b. 1980)
임영균 Youngkyun Lim (b.1955)
테레지아 파울란트 네라트 Theresia Fauland-Nerat (b. 1966)
홍유영 Euyoung Hong (b. 1975)
VIP | Press Preview
October 9 (Fri) 11:00 - 14:00
Public Opening
October 9 (Fri) 14:00 - 21:00
October 10 (Sat) 11:00 - 19:00
October 11 (Sun) 11:00 - 19:00
Venue
Veronafiere 11, 12
Viale del Lavoro 8, 37135 Verona, Italy
Contact
For exhibition and artwork inquiries, please contact:
info@2gil29gallery.com
sales@2gil29gallery.com
KakaoTalk Channel: 2gil29gallery
(Search ‘이길이구갤러리’ on KakaoTalk to send a message anytime) Tel. +82 2 6203 2015
Art Verona 2026, Veronafiere, Verona, Italy, October 9 - 11, 2026, © Art Verona 2026
2GIL29 GALLERY 이길이구 갤러리는 오는 2026년 10월 9일부터 11일까지 이탈리아 베로나 Veronafiere에서 개최되는 제21회 ArtVerona에 참가합니다. ArtVerona는 이탈리아 현대미술의 주요 아트페어 중 하나로, 예술감독 Laura Lamonea의 지휘 아래 갤러리와 작가, 컬렉터, 관객을 연결하며 동시대 미술을 둘러싼 새로운 관계와 담론을 모색하는 국제적인 교류의 장을 마련합니다.
2026년 ArtVerona의 주제는 《Tra Parentesi》입니다. 이탈리아어로 ‘괄호 안에서’를 뜻하는 이번 주제는 지난 에디션에서 다뤘던 미술계 구성원 간의 ‘대화’에서 한 걸음 더 나아가, 서로 다른 주체들의 ‘사이’에서 무엇이 발생하는가에 주목합니다. 괄호가 문장의 흐름을 잠시 멈추는 동시에 또 다른 의미와 이야기를 담아내는 공간이 되듯, ArtVerona는 작품과 작품, 작가와 갤러리, 관객과 컬렉터 사이에서 형성되는 관계와 그 안에서 새롭게 생성되는 가능성을 탐구합니다. 이번 주제는 Fluxus의 주요 이론가이자 예술가인 Dick Higgins가 1960년대 중반 제시한 ‘Intermedia’ 개념에서도 출발합니다. 전통적으로 구분되어 온 서로 다른 매체와 영역의 경계를 넘어, 그 ‘사이’에서 발생하는 예술적 실천과 새로운 의미에 주목하는 것입니다.
ArtVerona 2026에서는 한국 현대미술을 조명하는 특별 섹션 AWave Zone | Contemporary Art Expression from Korea가 함께 마련됩니다. AWave Zone은 한국의 갤러리와 작가들을 유럽 미술계에 소개하고, 한국과 유럽을 비롯한 서로 다른 예술 현장 간의 문화적 교류와 새로운 네트워크 형성을 모색하는 자리입니다. 이길이구 갤러리는 이번 ArtVerona 2026의 AWave Zone에 참가하여 한국 현대미술의 다양한 시각과 동시대적 흐름을 현지 관객과 컬렉터들에게 소개할 예정입니다. 이번 페어에는 음하영, 김재용, 임영균, 마이큐, 홍유영, 테레지아 작가가 함께합니다. 이길이구 갤러리는 이번 ArtVerona 참가를 통해 참여 작가들의 작품 세계를 유럽 미술계에 소개하고, 현지 관객 및 컬렉터들과 새로운 교류의 접점을 만들어갈 예정입니다. ArtVerona가 올해 《Tra Parentesi》를 통해 서로 다른 존재와 영역의 ‘사이’에서 발생하는 가능성에 주목하는 만큼, 이길이구 갤러리 역시 이번 베로나에서의 만남을 통해 한국 현대미술과 유럽 미술계를 잇는 새로운 대화를 이어가고자 합니다.
Art Verona 2025, General View Photo, Veronafiere, Verona, Italy © Art Verona 2025
2GIL29 GALLERY will participate in the 21st edition of ArtVerona, taking place from October 9 to 11, 2026, at Veronafiere in Verona, Italy. As one of Italy’s leading contemporary art fairs, ArtVerona, under the artistic direction of Laura Lamonea, brings together galleries, artists, collectors, and audiences, creating an international platform for exchange that explores new relationships and discourses surrounding contemporary art.
The theme of ArtVerona 2026 is 《Tra Parentesi》. Meaning “in parentheses” in Italian, this year’s theme takes a step beyond the “dialogue” among members of the art world explored in the previous edition, shifting the focus toward what happens “between” different subjects. Just as parentheses temporarily interrupt the flow of a sentence while creating a space for additional meanings and narratives, ArtVerona explores the relationships formed between works, artists and galleries, and audiences and collectors, as well as the new possibilities that emerge from these encounters. The theme also draws on the concept of “Intermedia,” introduced in the mid-1960s by Dick Higgins, a key Fluxus theorist and artist. It focuses on artistic practices and new meanings that arise “in between,” moving beyond traditionally defined boundaries between different media and disciplines.
ArtVerona 2026 will also feature AWave Zone | Contemporary Art Expression from Korea, a special section dedicated to contemporary Korean art. AWave Zone introduces Korean galleries and artists to the European art scene while fostering cultural exchange and new networks between the artistic landscapes of Korea, Europe, and beyond. 2GIL29 GALLERY will participate in the AWave Zone at ArtVerona 2026, presenting diverse perspectives and contemporary currents in Korean art to local audiences and collectors. The gallery’s presentation will feature works by Hayoung Eum, Jaeyong Kim, Youngkyun Lim, MY Q, Yuyoung Hong, and Theresia. Through its participation in ArtVerona, 2GIL29 GALLERY aims to introduce the artistic practices of its participating artists to the European art scene and create new points of connection with local audiences and collectors. In line with this year’s 《Tra Parentesi》, which focuses on the possibilities that emerge “between” different subjects and fields, 2GIL29 GALLERY hopes to continue building new dialogues between Korean contemporary art and the European art world through its encounters in Verona.
김재용 프로필 사진 © 2GIL29 GALLERY
김재용 (B.1973)
김재용(B.1973)은 서울 출생으로 현재 서울과 뉴욕을 기반으로 활동하고 있다. 미국 웨스트 하트포드 대학교에서 도자 및 조소를 전공하며 학사 학위를 받았고, 크랜브룩 아카데미 오브 아트에서 도자 전공으로 석사 학위를 취득하며 도자를 중심으로 한 조형적 기반을 쌓았다.이러한 배경을 바탕으로 김재용은 도넛 모양의 도자 작품을 통해 국제적인 인정을 받고 있다. 그의 작업은 주로 대중매체에서 차용한 이미지를 바탕으로 하며, 미술이 어렵다는 편견을 허물고 대중의 이해를 유도하려는 시도를 담고 있다. 도넛이라는 보편적으로 인식 가능한 형태는 다양한 문화적 요소를 통합하는 매개체로 활용되며, 다양한 형태로 변형되고 확장된다. 작가는 어린 시절 동양, 서양, 중동을 넘나드는 여행을 통해 쌓은 다양한 문화적 경험을 작품에 반영한다. 동양의 전통 민속에서 차용한 호랑이와 까치, 서양 신화에서 등장하는 유니콘, 그리고 중동의 아라베스크 문양 등을 작품에 융합한 그의 작품은 다양한 문화적 요소들이 결합된 현대 사회를 상징하고 다양한 사유를 이끌어낸다.
작가는 이와 같은 작품 활동과 함께 교육 현장에서도 꾸준히 활동해왔다. 미국 몬클레어 주립대학교에서 조교수로 재직하였으며, 2015년부터 서울과학기술대학교 도예과에서 부교수로 재직 중이다. 그의 작품은 방콕 탕 컨템포러리(2021), 상하이 파워롱 미술관(2019), 광주시립미술관(2019), 미국 보이지 미술관(2019), 뉴욕 라이언스 위어 갤러리(2019) 등 전세계 유수 기관에서 전시되었다. 주요 소장처로는 상하이 파워롱 미술관, 미국 트래버스시티 데노스 뮤지엄 센터, 웨스트하트퍼드 하트포드대학교 등이 있다.
Jaeyong Kim 김재용, Donut Madness, 2019 – 2026, Ceramics, Underglaze, Glaze, Luster Glaze, Chrome Plating, Crystals, 130 x 130 x 4.5 cm overall, 25 pieces
Jaeyong Kim (B.1973)
Jaeyong Kim (b.1973) was born in Seoul and is currently based in Seoul and New York. He received his Bachelor of Fine Arts (BFA) in Ceramics and Sculpture from the University of Hartford in West Hartford, Connecticut, and earned his Master of Fine Arts (MFA) in Ceramics from the Cranbrook Academy of Art, establishing a sculptural foundation centered on ceramics. Building on this background, Kim has gained international recognition for his doughnut-shaped ceramic sculptures. Drawing inspiration primarily from imagery borrowed from mass media, his work seeks to dismantle the prejudice that art is difficult and instead invites public understanding. The universally recognizable form of the doughnut serves as a medium for integrating diverse cultural elements, while continuously transforming and expanding into various forms. The artist’s work reflects the diverse cultural experiences he gained during childhood through travels across the East, the West, and the Middle East. By incorporating tigers and magpies drawn from traditional Eastern folklore, unicorns from Western mythology, and Arabesque patterns from the Middle East, his works symbolize contemporary society in which diverse cultural elements coexist and encourage a wide range of interpretations.
Alongside his artistic practice, Kim has also remained actively engaged in education. He served as an Assistant Professor at Montclair State University in the United States and, since 2015, has been working as an Associate Professor in the Department of Ceramic Arts and Design at Seoul National University of Science and Technology. His works have been exhibited at leading institutions worldwide, including Tang Contemporary Art in Bangkok (2021), Powerlong Museum in Shanghai (2019), Gwangju Museum of Art (2019), Boise Art Museum in the United States (2019), and Lyons Wier Gallery in New York (2019). His works are held in major collections, including the Powerlong Museum in Shanghai, the Dennos Museum Center in Traverse City, Michigan, and the University of Hartford in West Hartford, Connecticut. Kim will also participate in ART SG 2027 as the sole artist presented by 2GIL29 GALLERY, where his signature doughnut series will be on view.
MY Q 마이큐 프로필 사진 © 2GIL29 GALLERY
마이큐 (B.1981)
마이큐(B.1981)는 홍콩에서 학창 시절을 보냈으며, 영국 킬 대학교(Keele University) 법학과를 중퇴하였다.
글로벌한 성장 환경 속에서 다양한 문화를 접하며 다문화적 감수성과 정서적 유연성을 체득해왔다. 싱어송라이터이자 프로듀서로 오랜 시간 음악계에서 활약해온 그는 2021년 2GIL29 GALLERY (이길이구갤러리)에서 열린 첫 개인전 〈What Are You Doing the Rest of Your Life?〉을 계기로 회화의 세계로 본격적인 발걸음을 내디뎠다. 그의 회화는 음악적 리듬과 감정의 진폭이 교차하는 독자적인 감성의 구조를 구축한다. 음악에서 출발해 회화로 확장된 감각을 통해, 그는 대중성과 예술성, 즉흥성과 절제 사이의 미묘한 긴장을 시각적으로 번역한다. 자유로운 선과 대담한 색채, 그리고 여백의 호흡이 만들어내는 화면은 감정의 리듬이자 시간의 흔적으로 작동하며, 예술이 삶 속에서 어떻게 존재할 수 있는가를 탐구한다.이러한 접근은 한국 동시대 회화가 지닌 서정적 전통을 현대적 감각으로 갱신하며, 감성적 추상 회화의 새로운 방향을 제시한다. 그는 이케아 코리아, 신세계백화점, 아트조선, 그리고 여러 글로벌 브랜드들과의 협업을 통해 예술의 외연을 일상과 공간으로 확장해왔다.
특히 이케아 코리아와의 프로젝트 ‘창의적인 영감을 발현하는 공간 (Creative Space of Inspiration)’에서는 작업과 휴식이 공존하는 공간을 직접 설계하며, 자신의 회화적 시선과 감정 구조를 반영한 생활 환경을 제안했다. 2024 년 김종영미술관 기획전 〈어떤 변화: Metamorphosis〉에 참여한 그는, 2025 년 개인전 〈사이, 흔적 Traces in Between〉을 선보이며 예술적 스펙트럼을 넓혔다. 마이큐는 대중문화의 감수성과 순수미술의 언어를 교차시키며, 한국 동시대 회화 속에서 자신만의 미학적 좌표를 견고히 구축해가고 있다. 그의 회화는 리듬이자 감정의 잔상이며, 동시에 예술이 삶 속에서 어떻게 호흡할 수 있는가에 대한 동시대적 응답으로 기능한다.
MY Q 마이큐, Untitled 무제, 2025, Acrylic on Wood Panel, 24.2 x 17 x 2cm (each)
MY Q (B.1981)
MY Q (B.1981) spent his formative years in Hong Kong and studied law at Keele University in the United Kingdom before leaving the program. Growing up in an international environment, he developed a multicultural sensibility and emotional flexibility that continue to inform his practice. After many years as a singer-songwriter and producer, he began working seriously in painting with his first solo exhibition, What Are You Doing the Rest of Your Life?, at 2GIL29 GALLERY in 2021. His paintings build a distinctive emotional structure in which musical rhythm and shifts in feeling intersect. Through free-flowing lines, bold colors, and carefully composed negative space, MY Q translates the tension between spontaneity and restraint, as well as between popular culture and fine art, into a visual language. His works function as traces of time and emotional rhythm while exploring how art can exist within everyday life.
MY Q has expanded his practice through collaborations with IKEA Korea, Shinsegae Department Store, Art Chosun, and various global brands. He participated in the 2024 exhibition Metamorphosis at the Kim Chong Yung Museum and presented his solo exhibition Traces in Between in 2025. By bringing together the sensibilities of popular culture and the language of contemporary painting, he continues to establish a distinct position within the Korean contemporary art scene.
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음하영 작가 프로필 사진 © 2GIL29 GALLERY
음하영 (B.1980)
음하영 (B.1980) 작가는 서울 출생으로 홍익대학교 섬유미술패션디자인 학사 졸업 후 동대학원에서 판화과 석사를 졸업했다. 음하영은 기억과 감정의 층위를 섬세한 회화 언어로 풀어내며 동시대 회화의 새로운 가능성을 탐구하는 작가이다. 미디어가 생성한 시각 언어와 텍스트, 개인적인 경험의 파편을 동화적 상상력으로 재구성해 현실과 기억, 상상이 교차하는 독창적인 화면을 구축해 왔다. 대표 연작 《Paradise Series》는 가족과의 관계에서 비롯된 사적인 호명과 기억을 시적인 감수성으로 풀어낸 작업으로, 2026년 AKMU(악동 뮤지션) 앨범 커버 아트 협업을 통해 현대미술과 대중음악을 잇는 새로운 시각 언어를 제시하며 폭넓은 주목을 받았다. 화면 위에 중첩되는 형태와 색의 층위는 쉽게 언어화되지 않는 감정의 잔상을 담아내며, 관람자가 자신의 기억과 감정을 투영할 수 있는 깊은 사유의 공간을 제안한다. 현재 홍익대학교 섬유미술·패션디자인과 초빙교수로 재직하며 교육과 창작 활동을 병행하고 있다.
Hayoung Eum 음하영, Paradise-Hello-9, 2026, Acrylic on canvas, 22.7 × 15.8 cm
Hayoung Eum (B.1980)
Born in Seoul, Hayoung Eum earned his BFA in Textile Art and Fashion Design from Hongik University, followed by an MFA in Printmaking from the Hongik University. Eum explores new possibilities in contemporary painting through a delicate visual language that unfolds layers of memory and emotion. Drawing upon visual languages and texts generated by the media, as well as fragments of personal experience, he reconstructs them through a fairy-tale-like imagination, creating distinctive pictorial spaces where reality, memory, and imagination intersect. His representative Paradise Series poetically explores private forms of address and memories rooted in his relationships with family. In 2026, his collaboration with AKMU on album cover artwork garnered broad attention, presenting a new visual language that bridges contemporary art and popular music. The overlapping layers of forms and colors on the canvas capture emotional traces that resist easy verbalization, offering viewers a contemplative space into which they can project their own memories and emotions. Eum currently serves as an adjunct professor in the Department of Textile Art and Fashion Design at Hongik University, where he continues to balance teaching with his artistic practice.
임영균 작가 프로필 사진 © 2GIL29 GALLERY
임영균 (B.1955)
사진작가 임영균 (B.1955)은 대구 출생으로 중앙대학교 사진학과 및 뉴욕대학교 예술대학원을 졸업했으며, 뉴욕 국제 사진센터(I.C.P)에서 수학했다. 1973년 문화공보부 장관상(전국학생사진전 최고상)을 시작으로 1985년 스미소니언 박물관 큐레이터인 메리포레스터가 선정한 전 미주 10대 사진가상을 수상하고, 2000년 미국 국무성 풀 브라이트 연구 기금 등을 획득한 바 있고, 2005년 영국 대영박물관에서 <백남준의 기억>이란 주제로 초대전을 가졌다. 최근에는 뉴욕 주 코닥박물관으로 불리우는 조지 이스트만 사진 박물관에서 '20세기 사진의 역사전'에 한국인 최초로 초대되는 영광을 얻었다. 중앙일보 뉴욕 지사 기자로 활동하면서(1983-1988년) 뉴욕 타임즈 및 국내외 일간지와 잡지에 글과 사진을 발표했으며, 뉴욕대학교 사진학과 겸임 교수와 중앙대학교 사진학과 교수를 역임했다. 그의 작품은 뉴욕 현대미술관, 뉴욕 국제사진센터, 코닥 사진박물관, 독일 뮌스터 시와 올덴부르크 시립미술관, 국립현대미술관 등 세계 주요 미술관에 소장되어 있다. 작품집으로는 Destiny(뮌스터 시립미술관), 일상의 풍경(열화당), 임영균 인물 사진집 (안그래픽스), 임영균 사진집(시공사), 백남준, 지금 여기 (이길이구 갤러리) 등이 있다.
Youngkyun Lim 임영균, Nam june Paik in his Studio, New York, 1983, Archival Pigment Print on Paper, 90 x 119 cm, Ed. 9/15
Youngkyun Lim (b. 1955)
Photographer Youngkyun Lim was born in Daegu, Korea. He studied photography at Chung-Ang University and New York University, and also studied at the International Center of Photography (ICP) in New York. Lim received the Minister of Culture and Public Information Award, the highest honor at the National Student Photography Exhibition, in 1973. In 1985, he was selected as one of the “Top 10 Photographers in America” by Mary Forester, curator at the Smithsonian Institution. He was awarded a Fulbright research grant from the U.S. Department of State in 2000 and was invited to present In Memory of Nam June Paik at the British Museum in London in 2005. He was the first Korean photographer invited to The History of 20th-Century Photography at the George Eastman Museum in Rochester, New York. From 1983 to 1988, he worked as a correspondent for the New York office of the JoongAng Ilbo, contributing photographs and articles to The New York Times and other newspapers and magazines in Korea and abroad. Lim has taught photography at New York University and Chung-Ang University. His work is held in the collections of major institutions including the Museum of Modern Art (MoMA), the International Center of Photography, the George Eastman Museum, the Municipal Museums of Münster and Oldenburg, and the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea. His major publications include Destiny (Stadtmuseum Münster), Scenes of Everyday Life (Youlhwadang), Lim Youngkyun: Portraits (Ahn Graphics), Lim Youngkyun: Photographs (Sigongsa), and Nam June Paik, Here and Now (2GIL29 GALLERY).
Theresia Fauland Neret 프로필 사진
Theresia Fauland -Nerat (B.1966)
Theresia Fauland-Nerat(B.1966)는 오스트리아 슈타이어마르크 출생으로, 1984년까지 그라츠의 Stiendel Artistic Carpentry에서 목공을 수학한 뒤 1990년까지 목재 복원가 Markus Piffl에게 전문적인 목재 복원 교육을 받았다. 이후 1991년부터 프리랜서 복원가로 활동했으며, 2005년 Karl-Franzens University Graz에서 미술사 석사학위를 취득했다. 2000년부터 2025년까지 WIFI Graz에서 목재 복원, 가구사, 미술사 등을 가르치며 교육 활동도 병행했다.
그녀의 작업은 조각을 중심으로 회화, 그래픽, 퍼포먼스 등 다양한 매체를 아우른다. 특히 복원가로서 축적한 재료에 대한 이해와 미술사적 배경을 바탕으로 과거와 현재, 전통적인 장인 기술과 동시대 미술의 조형 언어를 연결한다. 역사적 파편과 오래된 재료를 새로운 물성과 결합하여 가구 조각으로 재구성하거나, 서로 다른 시대와 기능을 지닌 요소들을 새롭게 조합함으로써 익숙한 사물을 낯선 조형적 대상으로 변화시킨다. 특히 주철을 주요 재료로 사용하며, 철이 지닌 단단함과 거친 물성, 동시에 유기적으로 변화하는 듯한 생동감을 활용해 자신만의 조형 언어를 구축해 왔다. 목재, 금속, 폴리에스터 수지, 유리섬유 등 다양한 재료 역시 작업에 활용된다. 그래픽 작업에서는 먹을 주요 매체로 사용하며, 이와 같은 작업과 일부 연작을 포괄하는 개념으로 ‘Liquids’라는 명칭을 사용한다. 작가는 주철 조각과 먹 작업을 서로 대응시키며, 액체적인 움직임이 입체적 형태로 응고된 듯한 관계를 만들어낸다.
주요 전시로는 《LIQUIDS》(ORF Funkhausgalerie Steiermark, Graz, 2015), 《International Sculpture Biennial》(Botanical Garden, Graz, 2017), 《Metamorphosis》(Castle Gallery, Slovenska Bistrica, 2017), 《Das Karussell》(Ankerhalle, Vienna, 2019), 《A Portrait of the Artist as a Young Man*Woman》(Photo Gallery of Graz City Hall, Graz, 2022), 《ARTIST DATA BASE》(Künstlerhaus Vereinigung Wien, Parallel Vienna, 2023), 《HEAD_FLIX》(Künstlerhaus Wien, Vienna, 2025) 등이 있으며, 2026년에도 오스트리아와 크로아티아를 중심으로 다수의 전시와 프로젝트에 참여하고 있다.
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Theresia Fauland-Nerat, Pajero de Nopales(Cactus Bird), 2015, bronze casting, 42 x 30 x 20 cm
Theresia Fauland-Nerat (B.1966)
Theresia Fauland-Nerat (B.1966) was born in Styria, Austria. She studied carpentry at Stiendel Artistic Carpentry in Graz until 1984, and subsequently trained professionally in wood restoration under restorer Markus Piffl until 1990. She began working as a freelance restorer in 1991 and received her Master’s degree in Art History from Karl-Franzens University Graz in 2005. From 2000 to 2025, she also taught wood restoration, furniture history, and art history at WIFI Graz.
Her practice centers on sculpture while also encompassing painting, graphic works, and performance. Drawing on her extensive understanding of materials as a restorer and her academic background in art history, Fauland-Nerat connects past and present, as well as traditional craftsmanship and the visual language of contemporary art. Theresia transforms historical fragments and aged materials into furniture sculptures by combining them with new materials, while reconfiguring elements from different periods and functions to turn familiar objects into unfamiliar sculptural forms.
Cast iron is one of the principal materials in her sculptural practice. Through its hardness, rough physicality, and at the same time seemingly organic vitality, she has developed a distinctive formal language. Artist also works with a wide range of materials, including wood, metal, polyester resin, and fiberglass. In Theresia's graphic works, ink serves as a primary medium, and she uses the term “Liquids” as an overarching concept for a number of these works and series. By placing cast-iron sculptures in dialogue with ink works, the artist creates a relationship in which fluid movement appears to have solidified into three-dimensional form.
Her major exhibitions include 《LIQUIDS》 at ORF Funkhausgalerie Steiermark, Graz (2015); 《International Sculpture Biennial》 at the Botanical Garden, Graz (2017); 《Metamorphosis》 at Castle Gallery, Slovenska Bistrica (2017); 《Das Karussell》 at Ankerhalle, Vienna (2019); 《A Portrait of the Artist as a Young Man*Woman》 at the Photo Gallery of Graz City Hall, Graz (2022); 《ARTIST DATA BASE》 at Künstlerhaus Vereinigung Wien, Parallel Vienna (2023); and 《HEAD_FLIX》 at Künstlerhaus Wien, Vienna (2025). In 2026, she continues to participate in numerous exhibitions and projects across Austria and Croatia.
홍유영 프로필 사진 © 2GIL29 GALLERY
홍유영 (B.1975)
홍유영 (B.1975) 은 자본주의적 도시화 과정에서 공간, 물건, 그리고 인간의 행동과 사고가 어떻게 변형 또는 변화 되는지를 다양한 설치, 입체 작품을 통한 작업으로 작가만의 미감을 지니고 탐구해온 작가이다. 그녀의 최근 작품에서는 사회를 통일시키고 시각화, 물질화시키는 자본주의의 은밀하고 숨겨진 힘, 즉 그 지배 기술을 공간적 관점에서 발전시켜왔다. 작가는 런던과 서울을 오가며 다양한 형식의 입체 작품 및 설치 작업을 진행했으며 국내외의 다양한 전시, 레지던시, 프로그램에 참여해왔다. 이화여대 조소 전공,미국 아이오와대 조소 석사, 런던 골드스미스대 미술학 박사 학위 취득하였으며, 런던과 서울을 오가며 국제적으로 활동 중이다. 사치 갤러리(런던), MAC(아일랜드), 서울시립미술관, 티나켕 갤러리 (타이완) 등 다수의 국내외 전시에 참여했고, 올해의 작가 등으로 선정되어 주목을 받았다. 뉴욕 ISCP, 서울 난지, 박수근미술관 등 다양한 레지던시 및 국립현대미술관, 데이비드 로버츠 컬렉션, ISCP, 포모도로 재단에서 작품을 소장 중이다.
Euyoung Hong 홍유영, Negative Landscape, 2025, Glass, stainless steel, 42 x 29.7 x 10 cm
Euyoung Hong (B.1975)
Euyoung Hong (B.1975) explores, through a distinctive aesthetic manifested in diverse installations and three-dimensional works, how space, objects, and human behavior and thought are transformed and reshaped in the process of capitalist urbanization. In her recent works, she has developed her inquiry from a spatial perspective, focusing on the subtle and concealed forces of capitalism—its mechanisms of control—that unify, visualize, and materialize society. Working between London and Seoul, Hong has produced works in various sculptural and installation-based forms and has participated in numerous exhibitions, residencies, and programs both in Korea and internationally. She studied Sculpture at Ewha Womans University, earned an MFA in Sculpture from the University of Iowa, and received a PhD in Art from Goldsmiths, University of London. She is currently active internationally, working between London and Seoul.
Her work has been presented in numerous exhibitions in Korea and abroad, including at the Saatchi Gallery in London, MAC in Ireland, the Seoul Museum of Art, and Tina Keng Gallery in Taiwan. She has received significant recognition for her practice, including being selected as an Artist of the Year. Her works are held in the collections of various institutions and organizations, including the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea; David Roberts Collection; ISCP (International Studio & Curatorial Program); and Fondazione Pomodoro. She has also participated in a range of residency programs, including ISCP in New York, Nanji Residency in Seoul, and the Park Soo Keun Museum of Art.
