ART BUSAN 2022
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May
Presenting Artists:
권하나 Hana Kwon
나난 Nanan Kang
마이큐 My Q
성태진 Taejin Seong
유현경 Hyeonkyeong YOU
이슬아 Seula YI
임영균 YoungKyun LIM
전재은 Jaeeun Jeon
허유진 Yujin HUH
홍지희 Jeehui Hong (6인 가나다 순)
Dates : May 13(Fri)-15(Sun), 2022
Exhibition Venue : BUSAN BEXCO Exhibition Hall 1 BEXCO 제1전시장 부산시 해운대구 우동 APEC로 55
2GIL29 GALLERY Booth: D21 이길이구 갤러리 부스 D21
Viewing time:
VVIP & VIP Preview May 12 (Thu) 14:00-19:00
May 13 (Fri)-14(sat) 11:00-13:00
Public Open May 13 (Fri) - 14(Sat) 13:00 - 19:00
May 15(Sun) 11:00 - 18:00
Ticket:
General Admission KRW 20,000 / One person 일반티켓 20,000원 1인 입장권
Discount target Students (age 13 ~ 18) : KRW 14,000 할인대상 14,000원 청소년(만 13세~18세)
Senior citizens over 65+: (Only with valid ID): KRW 10,000 Persons with disabilities: (Valid for 1 extra guest): KRW 10,000
10,000원 65세 이상, 장애인(동반 1인까지)
Child(36 months > age 12) KRW 10,000(50%) 어린이(36개월~만12세) 10,000원(50%)
Men of national merit KRW 10,000 (50%) Men of national merit (certificate required) 국가유공자 10,000원 (50%) (증명서 지참)
권하나 Hana Kwon
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Hana Kwon(B.1990) majored in Illustration Design for her bachelor’s degree at Art Center College of Design located in Pasadena, California, USA, and actively building a career by expressing her honest emotions and memories through oil painting in fine arts and illustration. Especially, she captures the moments of flowing time that hoping to forever remember the moment, with this, the artist found herself controlling her emotions and discovers another self through the process of visualizing her thoughts and emotions that are difficult to express in words. In Hana Kwon's works, there is a character of humans combined with food, and make viewers go on a time travel from the character's facial expressions about food. For the artist, food exists as a recovered moment after the sickness, the makeup moment after the fight, and a celebration meal for the anniversary. Hana Kwon’s paintings of mealtime and food are not just drawn after finishing eating, but also sharing the moment of her warm memories, the food reproduced in the painting stimulates the sense of taste and reminds you of the memory. In our dynamic life, Hana Kwon's creations are a journey to find inner peace to herself at the same time, allowing many people to participate in the healing journey.
권하나(B. 1990)는 미국 디자인 스쿨 아트 센터 컬리지(Art Center College of Design BFA Illustration Design)에서 일러스트레이션을 전공하였다. 순수 미술 영역에서 솔직한 내면의 감정과 추억을 표현한 회화를 활발하게 선보이고 있다. 권작가는 하루하루 일상에서 느끼고 경험하는 감정이나 생각들을 일기처럼 작품으로 담아낸다. 본인의 감정과 기억들을 꾸준히 기록하고 그 이야기들을 다양한 소재를 통해 화폭에 여과없이 나타낸다. 지나간 시간을 포착하여 저장된 기억의 파편들을 말로 표현하기 힘든 자신의 생각과 감정을 시각화하는 과정을 통해 자신의 감정을 다스린다. 또 다른 자신을 만나는 행위이기도 하다. 이러한 작품과정들은 작가에게 뿐 아니라 작품을 바라보는 관람객들에게도 공감을 자아낸다. 권하나 작가는 작품을 통해 많은 사람들과 소통을 하고 공감을 나누고자 일상적인 소재로 이야기를 풀어낸다. 권작가의 작품에는 음식과 사람이 결합된 인물이 등장하는데 인물의 표정과 음식에서 느낄 수 있는 미각적 요소는 인간의 감각이 기억하는 감정을 매개로 물리적인 시간 너머의 특별한 순간으로 이동시킨다. 이때 작가에게 음식은 그녀만의 특별한 서사로 존재하고 있다. 단순히 음식을 먹고 그린 것이 아니라 기억하는 순간을 공유한 것으로서 작품에 재현된 음식은 과거를 비춰보는 도구이기도 한 것이다. 권하나의 창작 행위는 작가의 내면의 안정과 질서를 찾는 여정이며 그의 작품은 동시에 공감이 필요한 많은 이들을 치유하기도 한다. 작품에 담긴 이러한 의미들은 많은 사람들에게 긍정적인 반응을 자아낸다. 권작가의 작품은 특히 젊은 관객층들에게 집중적인 인기를 끌고 있다. 뿐만 아니라 중 장년층의 다양한 관객들에게 동심을 마주하게 하며 세대불문하고 큰 공감대를 이끌어내고 있다.
Hana Kwon, 널 만나러 가는 중, 2022, Mixed Media on Canvas, 72x60.5cm
나난 Nanan Kang
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Nanan KANG 롱롱타임플라워 LLTF 21.21
2021 Acrylic, Gouache on paper 130x80cm
Nanan Kang(B.1979) got a bachelor’s degree in Creative Advertising at the Seoul Institute of the Arts. Starting from an illustrator/chief journalist at street culture magazine ‘Lunch box', she has been in various fields as an editor and an art director for commercial projects. The first project that led Nanan Kang into the realm of fine art was "window painting". Nanan Kang realized the importance of a work which was seeing the drawing on the window let the surroundings(desolate urban landscape) alive. Since then, Nanan Kang has been building her career as ‘the No. 1 Korean window painter’.
Not only as a window painter, she actively worked as an illustrator and designer, was selected as a young artist by 31 gallery in New York also did exhibitions at Hongkong trade center, the Korean cultural center in the United Kingdom, and Seoul Art Center. Moreover, she did a collaboration with numerous artists and brands, for instance, SSG, Loccitane, and Amore Pacific. Furthermore, Nanan Kang presents a series of paper flower works "Long long time flower" that will never wither. There is a warm love for humanity's gaze exists in paper flower work. There are hopes and dreams included in flowers which never wither, keep the eternity the moments of gratitude and celebration as long as possible. Nanan Kang's works contain a message of joy and consolation, can be considered as a living thing that gives new vitality to each person's life. Recently, she has been exploring the beauty of white porcelain from Haeju(is a city located in North Korea) and attempting to create it in her style, exhibited at the museum SAN(Space Art Nature, is located in Oak Valley, South Korea). In 2019 Nanan Kang and 2GIL29 GALLERY became the most popular booth at Art Busan by introducing the ‘Long long time flower' campaign that art is meaningless if you don’t share also having an invitational exhibition with 2GIL29 GALLERY scheduled in later 2022.
나난(B. 1979)은 서울 예술 대학교에서 광고 창작을 전공하였다. 스트리트 문화 매거진 ‘런치박스’에서 수석 기자 겸 일러스트레이터 활동을 시작으로, 매거진 편집장, 커머셜 프로젝트 아트 디렉터 등 다양한 활동들을 해 왔다. 나난 작가를 순수 예술 영역으로 이끌어 준 첫 프로젝트는 “윈도우 페인팅”이다. 창문 위에 그리게 된 드로잉이 삭막한 도시 풍경에 생명력을 불어넣는 것을 본 나난은 작품을 둘러싼 주위 환경과 호흡 할 수 있는 작업에 대한 중요성을 깨달았다. 이후, 나난 작가는 창문에 그림을 그리며 ‘대한민국 1호 원도우 페인터’로서 입지를 다져오고 있다.
나난 작가는 원도우 페인터 외에도 일러스트레이터, 디자이너 등으로 활발하게 활동하며 뉴욕 31갤러리 영아티스트 선정, 홍콩 월드 트레이드 센터, 영국 한국 문화원, 예술의 전당에서의 전시 이력과 SSG, 록시땅, 아모레 퍼시픽 등 다양한 기업 및 브랜드, 아티스트들과 아트콜라보를 진행하였다. 또한 나난은 영원히 시들지 않는 페이퍼 플라워 작업 “롱롱타임 플라워” 연작을 선보인다. 페이퍼 플라워 작업에는 따뜻한 인류애적 시선이 존재한다. 여기에는 각자의 삶에 다가오는 감사와 축하의 순간을 시들지 않는 꽃에 담아 오래 간직하려는 영원성에 대한 함의가 있다. 기쁨과 위로의 메시지를 담은 나난의 작업은 각자의 삶속에서 새로운 생명력을 주는 살아있는 존재로 볼 수 있다. 최근에는 해주 백자가 지닌 미학을 탐구하며 이를 작가의 작품 양식으로 창안하는 시도 중에 있으며 뮤지엄 산에서 전시를 했다. 2019년 나난과 이길이구 갤러리는 아트 부산에서 나누지 않으면 예술도 의미가 없다란 롱롱타임플라워 켐페인을 선보이며 최고 인기 부스로 등극한 바 있으며, 2022년 하반기에는 이길이구 갤러리에서 초대전을 예정 중이다.
마이큐 MY Q
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MY Q Let's play together 2022 acrylic on canvas 130x97cm
My Q(B.1981) was born and raised in Seoul, Korea till his teenage, then move to Hongkong with his family as an immigrant, after that he goes to the Department of Law at Keele University in Stanford, UK. Diverse cultural experiences and passion for music based on his abroad experiences made him release the album ‘Style Music’ under the name My Q in 2007, moreover, he established the label ‘Question’. My Q is loved by the public as an artist/singer song-writer who actively works on lyric writing, composition, arranged music, video directing, planning, producing, and creative direction. He did not only perform ‘After the exhibit’ at Seoul Museum of art in 2015, held an exhibition <MIKE: My Q> at collecting beads to pool room project by D museum in 2018, but continuously collaboration with multiple companies including, fashion photoshoot, festival, and campaigns. He officially showed his paintings with the exhibition <What life are you going to have?> at 2GIL29 GALLERY march 2021. The technique of ‘Dub Da’ is drawing the musical notes and making the beats visually either regularly or irregularly on the canvas with many colors like the piano noise. My Q is going to have his solo exhibition with Shinsegye department store later 2022, furthermore, and he has an invitational exhibition coming early in 2023 with 2GIL29 GALLERY.
My Q 마이큐(B.1981)는 서울 출생으로 10대 시절 가족과 함께 홍콩으로 이민을 떠난 뒤, 영국 스태퍼드셔에 있는 킬 유니버시티(Keele University)법학과에 진학하지만 음악은 그를 다른길로 향하게 한다. 1997년부터 싱어송라이터로서 퍼포먼스 전반의 기획, 연출부터 음악 프로듀싱까지 총괄하는 만능 엔터테이너로 활동해오며 총 184곡을 발매하며 대중음악계에서 나름의 입지를 다져왔다. 음악을 통해 대중과 소통해온 그가 2021년 이길이구 갤러리와의 전시를 계기로 본격적으로 미술이라는 새로운 창작의 길로 접어들었다. 지난 20여년간의 음악활동에서 예술적 영감을 창작물로 구현해내는 작업을 해왔던 음악가로서 그는 “음악과 미술은 결국 예술의 한 범주에 속한다”며 좀 더 솔직한 내면을 마주할 수 있게 해준 캔버스 작업에 열중했다. 하루 13시간이상 온전히 자신과 마주하며 치열하게 쌓아올린 그의 작업 세계는 굉장히 견고하고 매력적이다. 정규 미술교육을 거치지 않은 그만의 자유롭고 다양한 시도는 한계를 짓는 것이 무의미하게 느껴질 만큼 다채롭다. ‘DubDa(덮다)’라고 스스로 명명한 MY Q의 독특한 화법은 그가 곡을 만들 때 타악기로 리듬을 만든 다음 피아노와 기타처럼 선율을 더하는 악기를 쌓아 올려나갔던 것을 응용한 것으로, 캔버스 위에 나이프, 붓, 종이, 손 등을 이용해 물감을 칠하고 튀기며 표현한 뒤 바탕색으로 덮는 방식으로 진행된다. 음표를 하나하나 짚어가며 리듬을 직조해온 그는 이제 캔버스 위 물감으로 화면 위에 기호화 된 시각적 선율을 펼친다. 그는 동시대를 살아가는 모두의 고민이 담긴 주제를 통해 함께 연결될 수 있는 작업을 꿈꾸며 코로나 이후 급속도로 변화된 사회환경에 대한 질문을 던진다. 개인의 삶에 한정된 이슈가 아니라 모두가 함께 극복해야 할 문제로 느껴진다는 그는 평범하고 지루한 일상 속에서 반짝거리는 무언가를 탐구하며 표현해나간다. 2023년 상반기 이길이구 갤러리에서 마이큐 초대전이 있을 예정이다.
성태진 Taejin Seong
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Taejin Seong
When the burden on your shoulder is too heavy
2018 Acrylic and Ink on Embossed woodpanel 122x110cm
Taejin Seong(B.1974) got a bachelor’s degree in printmaking at Chugye University for the Arts for and master's degree at Hongik University, and then build his career worldwide in New York, Hong Kong, and Singapore. Originally, Taejin Seong focused on engineering, however, he majored in art with a special interest in art and history. Taejin Seong uses engraving techniques under the motif of 'TaekwonV', from his childhood, to engrave paintings on woodblocks and color them in layers. The Taekwon-V described by Taejin Seong represents not the heroic appearance of a steel robot, but the realistic appearance that exists in the contemporary era. Taekwon-V, who took off his armor and wore sportswear, looks friendly and contains satire about the joys and sorrows of young Koreans. Moreover, he has a great interest in the history of exploitation and the universe. In the series of <National Treasure[Kuk-bo]>, there is an intention to include a sense of criticism on the distortion and misrepresentation of history and to restore it. In addition, in the series <Beyond the Universe>, questions about the civilization of the Earth and the history of humanity that flourished the civilization. Like this, Taejin Seong's work unravels the story from the past to the present of the complex social issues to his exploration of the universe, which is the source of human curiosity
성태진(B.1974) 작가는 추계예술대학교에서 판화와 홍익대학교에서 석사를 전공하였다. 국내외에서 다수의 개인전과 단체전을 하였으며 특히 뉴욕 홍콩 싱가포르 세계무대에서 왕성히 활동하며 작업을 이어 오고 있다. 어렸을적부터 공학도의 길에 뜻을 두었지만 예술과 역사에 남다른 관심으로 결국 그림을 그리게 된다. 성태진 작품은 어린 시절 즐겨보던 ‘태권브이’를 모티브로 판화 기법을 사용하여 양각으로 목판에 도상을 새기고 겹겹이 색을 칠한 작업이다. 성태진이 표현한 태권 브이는 강철 로봇의 영웅적인 모습이 아니라 동시대에 존재하는 현실적인 우리네 모습을 대변한다. 갑옷을 벗고 운동복을 입은 태권브이는 친근한 모습을 하고 현대인들의 희로애락에 대한 풍자를 담고 있다.
늘어난 추리닝을 입고 술잔을 기울이는 태권브이를 보면 삶의 무게를 짊어지고 살아가는 일반 사람들의 모습을 대변하고 있다. 그러면서도 희망의 메세지는 담은 노래가사나 글귀를 작품 속에 새겨넣어 긍정을 염원한다. 우리 선조들이 팔만대장경에 호국의 의지를 새겨넣었듯이 성태진 작가는 작품 속에 우리들의 삶을 새기며 작업을 한다.
이러한 그의 작업은 사회적 무관심 속에 퇴색해버린 우리의 모습이자 소외되고 힘없는 서민에 대한 그의 애정 어린 시각이기도 하다. 이런 일련의 작업들은 성태진 작가만의 미술언어에서 엿볼 수 있는 지점이며 과거부터 현재까지 대중적 공감 대상이 되는 모든 것을 작업의 대상으로 만든다.
유현경 Hyeonkyeong You
Hyeonkeong You, 걷는 길, 베를린, 겨울, On The Road of Walking, Berlin, Winter
2021, Oil on linen, 47.5x65cm
Hyeonkyeong You(B.1985), after graduating from Seoul National University College of Fine Arts and its graduate school in the department of Painting, selected by multiple artist Residence Programs in Schloss Plüschow, Germany(2011), Rote Fabrik, Zürich, Switzerland(2014), and Doosan residency, New York(2016). Moreover, she got awarded for art in Chong Kun Dang Pharmaceutical Corp(2019) and was selected for Forbes 20 power-leaders 2030 by Forbes Korea. She currently lives in Berlin and continues building her career. Hyeonkyeong You's perspective is not just limited to the subject. She focuses on the various emotions that occur to the subject when she faces through painting. In other words, she is not painting a model or an object, but the specific situation that objects are in or certain emotional elements from them, onto the canvas without hesitation. She captures the instant feeling of a moment, its aura and the energy through a relationship, appear on the canvas. Through this, the work represents things such as visual tremors, emotional immersions, maximization of ideas, and dramatic experience towards objects, which also forms the auteurism art world only Hyeonkyeong You has. About her recent pieces, art critic Ejung Ban said, unfinished looking brushstrokes, bold moves on leaving a large portion of a blank on the canvas, sceneries that have a lack of noticeable story, first impressions with a large brush stroke remind the oriental painting and a long title of paint or for an exhibition that breaks stylized paintings. These differences in Hyeonkyeong You's paintings reinforce her world of beauty over time. You can find Hyeonkyeong You’s works at Art Busan 2022 2GIL29 GALLERY booth D21.
유현경(B.1985)은 서울대학교 미술대학 서양화과를 졸업 후 동 대학원을 수료하고, 독일 슐로스 플뤼쇼브(2011), 스위스 취리히 로테 파브릭(2014), 뉴욕 두산 레지던시(2016)의 해외 레지던시에 선정되어 활동하였고, 현재는 베를린에서 거주하며 작업 중이다. 2019년 제8회 종근당 예술지상 수상, 2022년 포브스코리아 2030 파워 리더 20인에 선정된 바 있다. 유현경 작가의 작업을 들여다보면 작가의 시선은 대상에만 머물지 않음을 알 수 있다. 그리는 대상과 대면하면서 발생하는 복합적이고 다양한 감정선에 집중하여 대상을 감싸고 있는 상황, 온도, 관계의 양상에서 부여되는 의미를 포착해 특유의 숙련된 필치를 빠르게 화폭에 담아낸다. 이를 통해 시각적 떨림, 감정적 몰입, 상념의 극대화, 대상에 대한 극적 경험 같은 것들을 작품에서 보여주는데 그것이 유현경만이 지니고 있는 작가주의적 작업 세계를 형성하게 한다. 최근 작품들에 대해서 미술평론가 반이정은, 미완으로 마감한 듯한 붓질, 캔버스의 큰 부분을 차지하는 과감한 여백 처리, 눈에 띄는 이야기가 결여된 화면들, 동양화처럼 큰 붓질이 각인시키는 그림의 첫인상, 작품하고 연결되지 않는 어떤 문장이 긴 작품 제목 또는 전시 제목은 기존의 다른 작가들에게 보이는 다소 정형화되어 있는 회화의 틀과는 전혀 다른 점들이다라고 서술했다. 유현경 회화의 차별점들은 시간이 지날수록 진화되어 그녀만의 조형세계를 굳건하게 만들고 있다. 아트부산 2022년 유현경의 작업들은 이길이구 갤러리 부스 D21에서 만날 수 있다.
이슬아 Seula Yi
Seula Yi(B.1990) was born in Busan, graduated from Busan High School of Arts, and studied fine arts in Pusan National University. Seula Yi presents works that describe not only daily scenery but various subjects from travel through watercolors paintings. She likes to spend time observing the time changing, so she paints on the days when she thinks beautiful. Even though the flowing of the times are the same in either morning, lunch, or evening, but there is no same sky or color of a light changes and landscapes so she captures those onto canvas. She expresses delicately such as the color of concrete that changes when the sun moves, the color of darkened trees on rainy days, and the color of the sunset sky. She captures the moment by taking photos frequently from travel and also daily then describe that image or imagery as illustrations. Moreover, when she is unable to go somewhere, she looks back at the travel pictures, thinks of those moments, and draws them. Fur-thermore, she said, puts great value in sharing how she felt with the viewers. For her happiness is the moment of sharing emotions with the audience, it is hard to describe how she felt when look-ing at the sky around sunset but can reproduce emotions at that time through paintings. can relate. Seula Yi gets a great public response on social media and actively communicates through them with her works.
이슬아(1990)는 부산 출생으로 부산 예술고등학교를 졸업하고 미술대학에서 서양화를 공부하였다. 국내외 전시기관에서 다수의 전시를 열었다. 이슬아 작가는 도시에서부터 대자연까지 일상의 풍경과 여행지에서 만난 다양한 소재들을 작품속으로 담아 수채화로 표현해내는 작품을 선보이고 있다. 시간이 흐르는 모습을 천천히 관찰하는 걸 좋아해서 특별히 색이 좋다고 생각되는 날은 그림으로 그린다고 한다.
차가운 빌딩 숲과 콘크리트 벽인데도 작가에게는 햇살이 비치는 따뜻한 공간으로 느껴지면 그것을 화폭에 담게 된다. 빌딩숲 속에서 살아가는 사람들을 관찰하고 그 평범하고 일상적인 모습들을 담아낸다. 아침, 점심, 저녁 시간이 흐르는 건 똑같아도 매일 같은 하늘이 없고, 같은 색을 띠는 법이 없는 빛의 변화나 풍경들을 순간순간 화폭에 담아낸다. 햇볕에 따라 바뀌는 콘크리트 색, 비오는 날의 짙은 나무 색, 노을이 질 때의 하늘 색 같은 것들을 섬세하게 표현한다. 작가는 여행지나 일상에서 수시로 사진을 찍어 순간을 포착하고 그 순간에 따른 이미지나 심상들을 일러스트로 표현한다고 한다. 도시의 예측불허함이 좋아서 작은 노트를 들고 다니며 메모를 하였고 사진이나 영상으로 그때 그때 기록하여 그것을 작업화 한다고 한다. 그리고 여행을 가지 못 할 때는 이전에 갔었던 여행지의 사진들을 보며 그 순간들을 떠올려 작품으로 그린다. 또한 작품으로 표현한 작가의 감정들을 관람자들과 함께 공유하는 것에 큰 의미를 두고 있다. 해질역 하늘을 바라보며 작가가 느꼈던 감정을 사람들이 함께 느끼고 말로써 표현할 수 없지만 사람들과 공감할 수 있는 감정들을 그림으로 재현하는 것이 작가의 기쁨이라고 했다. 이슬아 작가는 SNS에서대중들의 큰 호응 얻으며 작품을 통해 활발한 소통을 이루고 있다. 2022년 초 <Things in City>라는 화집을 발간하고 프랑스 파리에서 화집과 동명의 전시를 열었다.
Seula YI Moony figures 2022 Oil on Canvas 80.3x65.1cm
임영균YoungKyun Lim
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YoungKyun Lim,, 독일 슈투트가르트 공공 도서관
The Public Library Stuttgart, Stuttgart, Germany, 2018
Digital Pigment Print , DIASEC Frame 160cm x 114cm
Youngkyun Lim(B.1955), got his degrees at Chungang University, International Center of Photography(I.C.P), New York, and got a master’s at New York University’s Graduate school of arts & science. Starting in 1973, awarded for Minister of Culture and Public information, he has been awarded to Top 10 Photographers and Fulbright scholarship program selected by curator Mary Forest from Smithsonian institution. When he worked as a reporter for Joongang Daily Newspapers in New York, he contributed his writings and photos to daily newspapers and magazines in New York Times and Korea as well. Moreover, he built his career as a professor in the Photography Department at New York University and Chungang University. His works are collected by the Museum of Modern Art(New York), International Center of Photography(New York), Kodak Photography Museum, Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte Oldenberg(Germany), National Museum of Contemporary Art Kwacheon(Korea), and other major museums in the world. Furthermore, he held solo and group exhibitions in Smithsonian Museum(2013), Sema(2010), The British Museum(2007), Cologne Art Fair(2005), MMCA(2005), and more. He got great attention from the exhibition<Artist’s eyes> at 2GIL29 GALLERY in 2021.
He is often referred to as the first-generation photographer, who captures the essence above the appearance and reads the generations. Legend video artist Namjune Paik said “An artistic photograph is an intended mind trying to approach a substance, avoid an illusory image. He(Youngkyun Lim) is one of them, in those trying.” His works permeate decent and elegance but are spontaneous and sensual not like the generation prior has. As Matthias Harder, the head of Helmut Newton photography museum in Berlin said, "His photo contains meditative tranquility and poetic mood." Youngkyun Lim’s point of view focuses on the daily scene, step aside from rapidly changing modern society, take a close look at the strength of what characters have, and capture them. It is a process of exploring the nature of character by facing its existence. Taking a close look at an ever-changing moment is no other than witnessing a truth of momentariness are capturing spirituality beyond an outward form. Therefore, the objects in his frame are given life and exist beyond generations.
임영균(B.1955)는 중앙대학교 사진학과와 뉴욕 국제 사진센터(I.C.P)에서 수학 후, 뉴욕대학교(NYU) 예술대학원을 졸업했다. 1973년 문화공보부 장관상을 시작으로 스미소니언 협회의 메리 포레스트에 의해 미국 10대 사진가상 및 미국 국무성 풀 브라이트 연구 기금 등을 획득한 바 있다. 뉴욕지사 기자 시절, 국내외 일간지 및 잡지. 뉴욕타임즈에 글과 사진을 발표했으며 뉴욕대학교 사진학과 겸임 교수와 중앙대학교 사진학과 교수를 역임한 그는 뉴욕 현대미술관, 국제사진센터, 조지 이스트만 코닥 사진박물관, 독일 뮌스터 시와 올덴부르크 시립미술관, 과천 국립현대미술관 등 세계 유수의 미술관에 작품들이 소장되어 있다. 또한 스미소니언 미술관(2013), Sema(2010), 대영박물관(2007), 쾰른아트페어(2005), MMCA(2002)등 국.내외 대표적인 미술관 및 페어에서 수십 회의 개인전과 그룹전을 가졌다. 그리고 2021년 이길이구 갤러리에서 <작가의 눈>전을 개최하여 많은 사람들의 호응을 얻었다.한국화단의 1세대 포토그래퍼라 불리는 임영균은 현상(現象) 너머의 본질을 담으며 시대를 읽어내는 포토그래퍼다. 전설적인 비디오 아티스트 고(故) 백남준은 임영균에 대해 “예술사진이란, 사진이란 허상에서 벗어나 사위에 접근하려는 정신의 意圖(의도)이다. 그는 그런 시도에 있어서 한국의 기수 중 하나다"라고 평했다.
전재은 Jaeeun Jeon
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Jaeeun Jeon The place where the camellia was
2022 mixed media on canvas 164x132cm
Jaeeun Jeon(B.1972) majored in fine arts both in bachelor’s degree and master’s degree at Sookmyung Women’s University. The process of her work starts from reading. Jaeeun Jeon repeating the spaces such as kitchen, stairs, and hallway of a house described in literature and writing/painting relate things to her childhood memories. These imageries are suggested in coloring and space through stereoscopic language by needle and thread. Jaeeun Jeon deals with fabric and ornaments on canvas as elements as a form of the module to explore pictorial stereoscopic beauty between the flat surface and three-dimensional boundaries by dividing, expanding, and recombining. Her sewing processes are the time of accumulating the memory which erases the experience and then recurving, reveals, and exposes, over and over. New given meaning in the space can be interpreted as ‘construction’ by the artist’s imaginations and reasons of her personal experience and memories. Through the exhibition <Lieux Prives(personal spaces)> with 2GIL29 GALLERY, Jaeeun Jeon’s spaces from her memory were well-received to transform into an individual ventilator, moreover, she participate in Cheongju Craft Biennale, also Kiaf SEOUL in 2021.
전재은 (b.1972) 작가는 숙명여대와 동대학원 회화를 수학했다. 대학원 재학 중, 미술세계 대상전 수상, 현대미술제 최우수상, 경기도미술대전 우수상 등을 수상하는 등 평단의 주목을 받으며 성장했다. 그는 시립미술관, 광주 비엔날레를 비롯한 국내 유수의 전시공간 뿐 아니라, 중국, 일본, 독일 등에서 전시를 가지는 등 국.내외에서 활발하게 작품을 선보였고, 또한 국내 최정상의 패션매거진, 기업 등과 커머셜 작업도 함께 하며, 다양한 시각매체에서 작업활동을 이어가고 있으며, 2018, 2017 공예트렌드페어와 상하이 아트페어, 뮌헨 독일 국제 수공예 박람회 등에 참여한바 있으며, 각종 섬유크래프트책 출판과 매거진과의 project, 크래프트 관련 commercial work와 전시 협업작업을 진행하였다. 2020년 이길이구 갤러리 기획전 <Lieux Privés 사적인 장소들>을 통해 전재은은 기억 속 공간을 개별적 환기장치로 변모시키며 커다란 호평을 받았으며, 2021 청주 공예 비엔날레 특별전에 초정되고 2021Kiaf SEOUL과 2022화랑미술제에 참여한 바 있다. 전재은 작가는 회화 전공자에게 익숙할 캔버스와 붓이라는 매체 대신, 바늘과 실을 통해 자신의 이야기를 풀어낸다. 그는 “나의 바느질 작업들은 시간을 짓고 기억을 축적하는 작업이다.”며 자신의 기억 속 축적된 내적 경험을 지워내고 다시 새기는 드러내기와 감추기의 연속적, 반복적인 작업을 통해 형상화하는 과정이라고 밝혔다. 그는 개인적인 기억과 경험이 담겨있는 집이라는 공간을 재편집해 화폭 위에 새로운 공간성을 부여하며 작가적 상상력과 내적 사유를 보여준다. 다시 말해 시간이 흐름에 따라 기억들이 축적되어 쌓여가 듯 캔버스 위에 그 기억의 켜를 색과 오브제들로 쌓아 또다른 공간을 만들어 나가는 것이다.
캔버스 안에 드러나는 여러 건축물의 형상을 띄고 있는 기호들은 공간의 확장과 수축을 시각화한다. 작품에서 보이는 작가의 장소는 지극히 사적이지만 삶의 시간들이 겹겹이 쌓여 하모니를 들려주는 듯한 아름다움들은 우리 모두에게 시공간의 축소와 확장을 통해서 함께 공감할 수 있는 기억의 장소로 이끈다.
허유진Yujin Huh
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Yujin Huh (B.1978) graduated from Yewon middle school to Seoul arts high school and majored in fine arts at Hongik University and its graduate school. Since then, she has been fostering young students and also actively building her career as an artist based in Seoul. She solidified her position as a painter in the Korean art world through her realistic portrayal technique with an oil painting that hyperrealism over 20 years. She has shown a distinct aesthetic that no one can copy from a bottle, the material of everyday life, research its transparent property of matter to colorful variation created by light projection on the canvas, delicately. Longing for the unappeased desire contrasts with the illusionary beauty makes people to focuses on inherent reality rather than the appearance. This intense moment of seduction provided by plastic jewelry, not real jewelry, asks a serious question about aesthetics. Her future is truly noteworthy considering that she shows the peak of technical perfection in painting in Korean contemporary art through constant studies in materials within the legitimacy of Korean painting.
허유진 (b.1978) 은 예원학교와 서울예고를 거치고 홍익대학교와 동 대학원에서 회화를 전공 후, 후학을 양성하며 서울을 기반으로 왕성하게 활동해온 한국을 대표하는 여류작가이다. 그녀는 20여 년이 넘는 시간 동안 회화의 근본을 탐구하는 유화물감으로 사실적인 묘사 작업에 자신의 내면의 감정을 투영한 작업들로 한국화단에서 명실공히 자신만의 자리가 확고하다. 그녀는 병(bottle)이라는 흔히 볼 수 있는 일상적 소재가 가진 투명한 물성이 빚어내는 빛의 투과와 색채의 다채로운 변주를 연구해 캔버스 위에 정교하게 안착시키는 방법으로 회화의 본질을 실천해오며 누구도 흉내 낼 수 없는 뚜렷한 미감을 보여주고 있다. 특히 2021년 6월 이길이구 갤러리와 함께 한 <플라스틱 다이아몬드 Plastic Diamond> 전시에서는 한국에서 정통 엘리트 미술교육을 거치며 쌓아 올린 그녀만의 단단한 예술세계 위에 한층 발전된 물성 연구와 회화적 탐색을 보여줬다.최근의 “플라스틱 다이아몬드” 연작은 지난 작업의 연장 선상에서 좀 더 굴절과 투영을 통해 극대화되는 빛과 색채의 풍경에 주목한다. 주위의 모든 색을 반사하는 투명한 인조 다이아몬드의 찰나적 영롱함은 보는 이를 강렬하게 매혹하고, 머무르지 않고 곧 휘발하는 잔상 앞에 드러나는 미에 대한 욕망은 묘한 긴장감을 유발한다. 회화가 보여줄 수 있는 기법적 완성도의 정점을 보여주면서도 한국적 회화의 정통성 안에서 끊임없는 매체적 시도를 통해 한국 현대미술의 주요한 지점을 형성해나가고 있다.
Youjin Huh, Plastic Diamond 2022 Oil on Canvas 90.5x65cm
홍지희 Jeehui Hong
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Jeehui Hong(B.1986) majored in Graphic Design at Kaywon University of Arts and Design, also majored in Illustration at Kookmin University Graduate school, after then she has been working in the commercial field for a while. However, she got into the path of fine arts with a desire to do work that shows her own color and inside. Recently, Jeehui Hong has been recognized as a remarkable artist by presenting several interesting exhibitions and projects with global commercial brands. She discovers the value of art from looking into the cycle of things we repeatedly consume and produce, not separating the realm between life and art. Jeehui Hong is not afraid to explore the medium, especially. Artificial chemicals, cosmetics, pieces of glass, and natural materials such as red clay, charcoal, graphite, and salt, which were daily byproducts and wastes, are reborn as beautiful pieces by artist Jeehui Hong’s touch. The process of creating works through daily elements represents silent communication which shares one’s thoughts and emotions from everyday life. The action of creation through the exploration of the media symbolizes an invisible time to reconsider the attitude or way of life. It is more like an expression of the artist’s will to capture the imagery landscape inside her than pursuing completeness of genres.
홍지희 작가(B.1986)는 계원예술대학교에서 그래픽 디자인과 국민대 대학원에서 일러스트레이션을 전공하고 한동안 커머셜 작업을 해왔다. 그러나 자신의 색깔과 내면을 담을 수 있는 작품을 시도해보고 싶다는 열망으로 순수미술의 길에 접어들었다. 최근 홍지희 작가는 다수의 흥미로운 전시와 글로벌 커머셜 브랜드들과의 여러 프로젝트들을 선보이며 자신의 색깔이 확실한 작가로 인정받고 있다. 2020년 이길이구 갤러리와의 전시 <보이는 것과 보이지 않는 것:Le Visible Et L’Invisible> 에서는 그가 기존에 탐구했던 여성성에서 한 걸음 더 나아가 자신의 내면 속 질문에 충실한 답을 찾아가는 작품들을 선보였다. 현대 자본주의 사회에서 예술가로서 홍지희 작가는 우리가 반복해서 생산하고 소비하는 수많은 생산물의 순환문제와 과거의 산물을 들여다보며, 생활과 예술의 영역을 분리하지 않고 지금, 여기에서 예술의 가치를 발견하는 작업을 시도한다. 홍지희 작가는 특히 매체의 탐구를 두려워하지 않는다. 인공적인 화학품, 코스메틱, 유리조각과 자연 소재인 황토, 숯, 흑연, 소금 등, 일상의 부산물과 잡다한 쓰레기였던 소재들은 홍지희 작가의 손을 거쳐 보석처럼 섬세하고 반짝거리는 아름다운 부조의 모습으로 거듭난다. 일상 소재로 작품을 창작하는 과정은 일상에서 길어올린 생각과 감정을 나누는 무언의 소통으로서 대변된다. 매체의 탐구를 통한 창작 행위는 삶의 태도나 방식을 다시 생각하는, 보이지 않는 시간을 상징한다. 이는 장르적 완결성을 추구한 것이기 보다는 홍지의 작가 내면의 심상적 풍경을 담아낸 의지의 표현으로 해석 될 수 있다.
Jeehui Hong Sound bath Ⅲ
2021
Mixed Media on Canvas
120x120cm