2026
08/26
09/18
Sinsa Blues: Eleven Views | 신사 블루스: 열한 개의 시선
Sinsa Blues: Eleven Views | 신사 블루스: 열한 개의 시선
Exhibition Period | August 26 – September 18, 2026
MY Q and 10 Other Artists | MY Q 외 10인
Exhibition location: 2GIL29 GALLERY (Garosu-gil 35, Gangnam-daero 158gil, Gangnam-gu, Seoul 06034 Korea)
서울특별시 강남구 강남대로 158길 35 (신사동) 이길이구 빌딩 1층
Contact: Exhibition Planning Office 02-6203-2015
전시문의 02 6203 2015
Opening Hours: 10 am to 6 pm (Closed on Sunday, Monday and holiday)
관람시간 오전 10시 - 저녁 6시 화요일부터 토요일까지 (일요일, 월요일, 공휴일 휴관)
신사 블루스: 열 한개의 시선
도시는 하나의 풍경이 아니라 수많은 시선이 겹쳐 만들어지는 공간이다. 《신사 블루스: 열 한개의 시선》은 이길이구 갤러리를 대표하는 8인의 작가가 각자의 감각과 언어로 오늘의 도시를 바라보는 전시이다. 회화와 조각, 설치 등 서로 다른 작업은 도시의 풍경과 시간, 기억을 각기 다른 방식으로 포착하며 하나의 도시를 여덟 개의 시선으로 확장한다. 프리즈 서울과 키아프로 전 세계 미술계의 시선이 서울에 머무는 계절, 《신사 블루스》는 강남 신사동의 이길이구 갤러리에서 대표 작가 MY Q를 비롯한 11인의 작가를 통해 서울의 또 다른 동시대를 제안한다. 서로 다른 열한 개의 시선은 도시의 리듬과 시간, 그리고 오늘을 살아가는 감각을 함께 그려낸다.
Sinsa Blues: Eleven Views
A city is shaped by countless ways of seeing. Sinsa Blues: Eleven Views brings together eleven artists from 2GIL29 Gallery, each offering a distinct perspective on the contemporary city. Through painting, sculpture, and installation, the exhibition explores urban landscapes, memory, and the passage of time from eight unique viewpoints. As the international art world gathers in Seoul for Frieze Seoul and Kiaf SEOUL, Sinsa Blues brings together eleven artists, including MY Q, at 2GIL29 Gallery in Gangnam's Sinsa district. Through eleven distinct artistic voices, the exhibition offers another perspective on contemporary Seoul—its rhythm, its passage of time, and the sensibility of urban life.
.jpg)
Charlie Hahn 찰리한, Box 03, 2024 , Photo print , 60 x 40cm
찰리한(Charlie Hahn, b. 1973)은 사진과 시간 기반 매체를 중심으로 작업하는 미디어 아티스트이다. 미국 Maryland Institute College of Art(MICA)에서 사진 전공으로 BFA를, 디지털 아트 전공으로 MA를 취득했으며, Towson University에서 Studio Arts 전공으로 MFA를 받았다. 주요 전시로는 이길이구 갤러리에서 열린 《Line+beep2》(2018), 《Vice Versa》(2019), 《Digits》(2021), 《Like you know it all》(2024)을 비롯해 Daegu Art Factory의 《Distinct Uncertainty》(2015), 《Super Romantics》(2014), Incheon Art Platform의 《Overdrive: Incheon》(2013), 《Memophilia》(2010), Masur Museum of Art의 《48th Juried Exhibition》(2013), Johns Hopkins University Mattin Center의 《Zero to 3900》(2007) 등이 있다. 2005년 연세대학교 미디어아트연구소 연구원으로 활동했으며, 2015년부터 계명대학교 교수로 재직하고 있다.
Charlie Hahn (b. 1973) is a media artist whose primary mediums are photography and time-based media. He received a BFA in Photography and an MA in Digital Arts from the Maryland Institute College of Art (MICA), and an MFA in Studio Arts from Towson University. His major exhibitions include 《Line+beep2》 (2018), 《Vice Versa》 (2019), 《Digits》 (2021), and 《Like you know it all》 (2024) at 2GIL29 GALLERY; 《Distinct Uncertainty》 (2015) and 《Super Romantics》 (2014) at Daegu Art Factory; 《Overdrive: Incheon》 (2013) and 《Memophilia》 (2010) at Incheon Art Platform; the 《48th Juried Exhibition》 (2013) at the Masur Museum of Art; and 《Zero to 3900》 (2007) at the Mattin Center, Johns Hopkins University. In 2005, Hahn worked as a researcher at the Media Art Research Institute of Yonsei University. Since 2015, he has been teaching as a professor at Keimyung University.
Heungsup Jung 정흥섭, 몸뚱어리, 기립2, 2026, 버터링 상자, mdf, led조명 90 x 50 x 50 cm
정흥섭(b.1975)은 서울을 기반으로 활동하는 작가이다. 아주대학교 영어영문학과를 졸업한 뒤 프랑스 낭시 국립예술학교(École Nationale Supérieure d’Art de Nancy)에서 국립조형예술학위와 국립고등조형예술학위를 취득했으며, 이후 스위스 제네바 예술학교(Haute École d’Art et de Design de Genève)에서 미디어아트 포스트학위 과정을 이수했다.
주요 전시로는 《일.있는.일.있을 수 있는. 일》(더스토어 남산, 서울, 2026), 《울트라 매트릭스_서남 리포지토리 프롤로그》(청두현대이미지미술관, 중국 청두, 2026), 《버리지 못하는 것들에 대하여》(서울대학교미술관, 서울, 2018), 《싱가포르 오픈 미디어아트 페스티벌》(토탈미술관, 서울, 2017), 《포스트모던 리얼》(서울대학교미술관, 서울, 2017), 《아트×게임_바츠혁명전》(경기도미술관, 안산, 2012), 《ASIAN ARTS MOBILITY》(광주시립미술관, 광주, 2011), 《CINE FORUM 4 : DIGITAL PORTFOLIO》(서울대학교미술관, 서울, 2008), 제10회 국제 이스탄불 비엔날레 《NIGHTCOMERS》(이스탄불, 2007), 《TRUE STORIES》(아테네 미술관, 제네바, 2007), 《REALITY STRIKES BACK》(Baumwollspinnerei, 라이프치히, 2007), 《APPARTEMENT》(낭시시립미술관, 프랑스, 2005) 등이 있다.
작품은 프랑스현대미술재단 FRAC Bretagne에 소장되어 있으며, 인천아트플랫폼 1기 레지던시에 참여했다. 계원디자인예술대학, 한국외국어대학교, 용인대학교에서 강의했으며, 저서로 『혼자를 위한 미술사』(클, 2018), 번역서로 쥴리앙 프레비외의 『입사 거부서』(2016)가 있다.
Heungsup Jung (b.1975) is an artist based in Seoul. After studying English Language and Literature at Ajou University, he attended the École Nationale Supérieure d’Art de Nancy in France, where he earned the Diplôme National d’Arts Plastiques and the Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique. He later completed a postgraduate program in media art at the Haute École d’Art et de Design de Genève in Switzerland.
His major exhibitions include 《일.있는.일.있을 수 있는. 일》 at The Store Namsan, Seoul (2026); 《Ultra Matrix_Southwest Repository Prologue》 at the Chengdu Contemporary Image Museum, Chengdu, China (2026); 《On Things We Cannot Throw Away》 at the Seoul National University Museum of Art, Seoul (2018); 《Singapore Open Media Art Festival》 at Total Museum of Contemporary Art, Seoul (2017); 《Postmodern Real》 at the Seoul National University Museum of Art, Seoul (2017); 《Art × Game_Bartz Revolution》 at the Gyeonggi Museum of Modern Art, Ansan (2012); 《ASIAN ARTS MOBILITY》 at the Gwangju Museum of Art, Gwangju (2011); 《CINE FORUM 4: DIGITAL PORTFOLIO》 at the Seoul National University Museum of Art, Seoul (2008); 《NIGHTCOMERS》 at the 10th International Istanbul Biennial, Istanbul (2007); 《TRUE STORIES》 at the Musée de l’Athénée, Geneva (2007); 《REALITY STRIKES BACK》 at Baumwollspinnerei, Leipzig (2007); and 《APPARTEMENT》 at the Musée des Beaux-Arts de Nancy, France (2005).
His work is held in the collection of FRAC Bretagne in France. He participated in the inaugural residency program at Incheon Art Platform and has taught at Kaywon University of Art and Design, Hankuk University of Foreign Studies, and Yong In University. He is the author of 『A History of Art for One』 (2018) and translated Julien Prévieux’s 『Lettres de non-motivation』 into Korean in 2016.
%EC%9D%98%20%EB%AF%B8%EB%81%8C%EB%A6%BC(%EC%8B%9C%EC%B2%9C%EB%8F%99%231)_2026_%ED%95%9C%EC%A7%80%EC%97%90%20%EB%AA%A9%ED%83%84_210%20x%20210cm%20(1).jpg)
Dewoong Nam 남대웅, 걸이범(杰利範)의 미끌림(시천동#1), 2026, 한지에 목탄 , 210 x 210cm
남대웅(b.1974)은 대구 출생의 작가로, 미국 Parsons School of Design에서 BFA를, New York Institute of Technology에서 MA를 취득했다.
남대웅은 회화를 통해 이미지와 기억, 역사적 인식의 관계를 다룬다. 그의 작업에서 과거의 역사는 기억 속 이미지로 남고, 이러한 이미지가 다시 신화화되는 과정은 하나의 허구로 제시된다. 또한 사진과 영상 등 미디어 이미지가 지닌 조작과 왜곡의 가능성에 주목하며, 사진·영상 미디어와 회화가 이미지를 만들어내는 방식의 유사성과 차이를 탐구한다. 자연주의적으로 묘사된 풍경과 비현실적인 이미지의 병치는 익숙한 현실에 낯선 감각을 만들어낸다.
주요 전시로는 《Ultra Matrix》(Chengdu Contemporary Image Museum, 청두, 2026), 《System takes command, The new abnormal》(ABI Space, 항저우, 2025), 《전남 국제 수묵 비엔날레》(목포예술회관, 목포, 2023), 《매체 사람 인물》(대구예술발전소, 대구, 2018), 《의도적 긴장》(우민아트센터, 청주, 2014), 《나에게 너를 보낸다》(대구예술발전소, 대구, 2013), 《Wonderful Pictures》(일민미술관, 서울, 2009), 《IAS Media Screening 2008》(인사미술공간, 서울, 2008) 등이 있다.
서울시립미술관 난지미술창작스튜디오(2012–2013), 인천아트플랫폼(2009–2010), 대구예술발전소(2018), 공간 쌀(2025) 등의 레지던시 프로그램에 참여했으며, 아르코미술관 미디어 배급 프로그램(2009–2011)과 인사미술공간 미디어 배급 프로그램(2008–2009)에 참여했다.
Dewoong Nam (b.1974) was born in Daegu, South Korea. He received his BFA from Parsons School of Design and his MA from the New York Institute of Technology in the United States.Through painting, Nam explores the relationship between images, memory, and historical consciousness. In his work, the past remains as images in memory, and the process through which these images become mythologized is presented as a form of fiction. He also draws attention to the potential for manipulation and distortion inherent in photographic and moving images, examining both the similarities and differences between photography, video, and painting in the ways they construct images. The juxtaposition of naturalistically rendered landscapes with unreal or unexpected imagery creates a sense of unfamiliarity within seemingly familiar realities.
His major exhibitions include Ultra Matrix at the Chengdu Contemporary Image Museum, Chengdu, China (2026); System takes command, The new abnormal at ABI Space, Hangzhou, China (2025); Jeonnam International Sumuk Biennale at Mokpo Culture & Arts Center, Mokpo (2023); Media, People, Figures at Daegu Art Factory, Daegu (2018); Intentional Tension at Wumin Art Center, Cheongju (2014); I Send You to Me at Daegu Art Factory, Daegu (2013); Wonderful Pictures at Ilmin Museum of Art, Seoul (2009); and IAS Media Screening 2008 at Insa Art Space, Seoul (2008).
Nam has participated in residency programs at SeMA Nanji Residency, Seoul (2012–2013); Incheon Art Platform, Incheon (2009–2010); Daegu Art Factory, Daegu (2018); and Space SSAL, Sacheon (2025). He also participated in the ARKO Museum of Art Media Distribution Program (2009–2011) and the Insa Art Space Media Distribution Program (2008–2009).
![소개 이미지_[1]_[20210718]_[이길이구갤러리].jpg](https://static.wixstatic.com/media/e7ddc9_e314cbeb912f448da4c75e8045edd841~mv2.jpg/v1/fill/w_600,h_494,al_c,q_90,usm_0.66_1.00_0.01,enc_avif,quality_auto/%20%EC%86%8C%EA%B0%9C%20%EC%9D%B4%EB%AF%B8%EC%A7%80_%5B1%5D_%5B20210718%5D_%5B%EC%9D%B4%EA%B8%B8%EC%9D%B4%EA%B5%AC%EA%B0%A4%EB%9F%AC%EB%A6%AC%5D.jpg)
Youngkyun Lim , NOW HERE (Seoul: 2GIL29 GALLERY) © 2GIL29 GALLERY
2026년은 거장 백남준이 물리적 세계를 떠난 지 스무 해가 되는 해다. 우리는 다시금 이 거대한 예술적 심연 앞에 서 있다. 20주기라는 시간의 매듭은 단순한 회고를 넘어, 그가 남긴 유산이 오늘날 어떤 생명력으로 진동하는지를 묻는 계기다. 일찍이 1980년대, 사진가 임영균의 렌즈가 포착한 것은 단순한 예술가의 외형적 기록이 아니었다. 그것은 백남준이라는 한 인간이 시대 및 매체와 치열하게 부딪히며 발산했던 예술적 실체, 즉 ‘존재의 진동’ 그 자체에 대한 기록이었다. 7년 전 이길이구 갤러리에서 선보인 사진전 《백남준, 지금 여기》는 정지 화면을 넘어 매체와 시간이 교차하며 발생하는 근본적 미학 질문들을 던진 바 있다.
백남준 타계 20주기를 맞아 새롭게 재발간된 이번 도록은 80년대의 그 뜨거웠던 찰나를 현재의 맥락 속으로 투사하며, 잠들어 있던 기억을 오늘날의 감각 위로 다시 현행화한다. 이는 죽은 과거의 재현이 아니다. 수십 년의 시간 층위가 동시대적 감각과 충돌하며 일으키는 ‘감각의 재배치’이자 ‘시간의 도약’이다. 임영균의 프레임 속에서 백남준은 박제된 유령이 아니라, 현재라는 층위 위에서 끊임없이 재생산되고 변주되는 ‘생성적 사유의 장’으로 기능한다. 우리가 재발간된 이 특별한 기록에서 발견할 것은 낡은 유물이 아니라 ‘지금-여기’에 실재하며 우리를 자극하는 예술적 매개로서의 시간이다. 본 도서는 이길이구 갤러리를 중심으로 다양한 플랫폼을 통해 올해 전방위적으로 소개될 예정이다.
⠀
2026 marks the 20th anniversary of the passing of the visionary master, Nam June Paik. Once again, we stand before this immense artistic abyss. This 20-year milestone is not merely a point of retrospective reflection, but an occasion to ask how his legacy continues to vibrate with vitality today. Back in the 1980s, what photographer Lim Young-kyun captured through his lens was more than a simple external record of the artist. It was a profound documentation of the artistic essence—the very "vibration of existence"—emitted by a human being clashing intensely with his era and medium. The exhibition Nam June Paik: Now Here, held at 2GIL29 GALLERY seven years ago, went beyond static imagery to raise fundamental aesthetic questions where medium and time intersect.
To commemorate the 20th anniversary of his passing, this newly re-published monograph projects those intense moments of the 80s into a contemporary context, re-actualizing dormant memories into today’s sensibilities. This is not a reproduction of a dead past. Rather, it is a "rearrangement of the senses" and a "leap in time," where decades of temporal layers collide with contemporary perception. Within Lim’s frame, Paik is not a ghost frozen in linear time, but functions as a "field of generative thought" that is constantly reproduced and varied upon the plane of the present. What we discover in this special re-publication is not a relic in a museum, but time itself—acting as an artistic medium that exists "here and now" to stimulate us. This book will be introduced extensively throughout the year via 2GIL29 GALLERY and various curatorial platforms.
⠀
안두진 Doojin Ahn 거기 There are stones 2014 Oil on Canvas 182 x 227cm
안두진(b.1975)은 유기적 형상과 흐름, 생명체를 연상시키는 이미지들을 통해 현실과 비현실 사이를 유영하는 회화적 세계를 구축해왔다. 그의 화면 안에서 형상들은 끊임없이 생성되고 사라지며, 자연과 신체, 풍경과 감각의 경계는 느슨하게 뒤섞인다. 작가는 회화를 고정된 이미지가 아닌 살아 움직이는 감각의 상태로 다루며, 불안정하고 유동적인 현실 인식을 화면 위에 펼쳐낸다. 특히 자연의 물질성과 생명력, 그리고 이미지의 생성 과정을 탐구하며 회화가 지닌 근원적인 가능성에 주목해왔다. 그의 작업은 구체적인 재현을 넘어 끊임없이 변화하는 생명의 운동성과 감각의 흐름을 시각화하며, 익숙한 세계 이면에 존재하는 낯설고 원초적인 에너지를 드러낸다.
Doojin Ahn (b.1975) has constructed a painterly world that drifts between reality and unreality through organic forms, fluid movements, and imagery evocative of living organisms. Within his canvases, forms continuously emerge and disappear, while the boundaries between nature and body, landscape and sensation, become loosely intertwined. Treating painting not as a fixed image but as a living state of perception, Ahn unfolds an unstable and fluid understanding of reality across the pictorial surface. In particular, he has explored the materiality and vitality of nature as well as the processes through which images come into being, focusing on the fundamental possibilities of painting itself. Moving beyond direct representation, his work visualizes the perpetual movement of life and the flow of sensation, revealing the unfamiliar and primal energies that exist beneath the surface of the familiar world.
홍유영 Euyoung Hong, Things, 2024, Found objects, glass, 85 x 45 x 91.5 cm
홍유영 (B.1975) 은 자본주의적 도시화 과정에서 공간, 물건, 그리고 인간의 행동과 사고가 어떻게 변형 또는 변화 되는지를 다양한 설치, 입체 작품을 통한 작업으로 작가만의 미감을 지니고 탐구해온 작가이다. 그녀의 최근 작품에서는 사회를 통일시키고 시각화, 물질화시키는 자본주의의 은밀하고 숨겨진 힘, 즉 그 지배 기술을 공간적 관점에서 발전시켜왔다. 작가는 런던과 서울을 오가며 다양한 형식의 입체 작품 및 설치 작업을 진행했으며 국내외의 다양한 전시, 레지던시, 프로그램에 참여해왔다. 이화여대 조소 전공,미국 아이오와대 조소 석사, 런던 골드스미스대 미술학 박사 학위 취득하였으며, 런던과 서울을 오가며 국제적으로 활동 중이다. 사치 갤러리(런던), MAC(아일랜드), 서울시립미술관, 티나켕 갤러리 (타이완) 등 다수의 국내외 전시에 참여했고, 올해의 작가 등으로 선정되어 주목을 받았다. 뉴욕 ISCP, 서울 난지, 박수근미술관 등 다양한 레지던시 및 국립현대미술관, 데이비드 로버츠 컬렉션, ISCP, 포모도로 재단에서 작품을 소장 중이다.
Euyoung Hong (B.1975) explores, through a distinctive aesthetic manifested in diverse installations and three-dimensional works, how space, objects, and human behavior and thought are transformed and reshaped in the process of capitalist urbanization. In her recent works, she has developed her inquiry from a spatial perspective, focusing on the subtle and concealed forces of capitalism—its mechanisms of control—that unify, visualize, and materialize society. Working between London and Seoul, Hong has produced works in various sculptural and installation-based forms and has participated in numerous exhibitions, residencies, and programs both in Korea and internationally. She studied Sculpture at Ewha Womans University, earned an MFA in Sculpture from the University of Iowa, and received a PhD in Art from Goldsmiths, University of London. She is currently active internationally, working between London and Seoul.
Her work has been presented in numerous exhibitions in Korea and abroad, including at the Saatchi Gallery in London, MAC in Ireland, the Seoul Museum of Art, and Tina Keng Gallery in Taiwan. She has received significant recognition for her practice, including being selected as an Artist of the Year. Her works are held in the collections of various institutions and organizations, including the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea; David Roberts Collection; ISCP (International Studio & Curatorial Program); and Fondazione Pomodoro. She has also participated in a range of residency programs, including ISCP in New York, Nanji Residency in Seoul, and the Park Soo Keun Museum of Art.
홍지희 Jeehui Hong CHANDELIER 25-5 2025 Mixed media on canvas 130.2 x 162.7 cm
홍지희는 다양한 커머셜 프로젝트를 통해 시각 언어에 대한 경험을 쌓아온 그는, 자신의 내면과 보다 깊은 조형적 탐구를 실현하기 위해 순수미술 작업에 집중하기 시작했다. 작가는 일상에서 마주하는 사물과 재료, 기억의 흔적들을 수집하고 재구성하며 관계와 연결, 그리고 시간의 축적에 대한 이야기를 펼쳐왔다. 특히 화학 소재, 코스메틱, 유리 조각과 같은 인공적 재료부터 황토, 숯, 흑연, 소금 등 자연의 물성에 이르기까지 다양한 매체를 자유롭게 넘나들며 독창적인 부조 회화 작업을 선보이고 있다. 일상의 부산물과 폐기된 재료들은 작가의 손을 거쳐 섬세하고 빛나는 화면으로 재탄생하며, 소비와 생산의 순환 속에서 사물과 존재의 새로운 가치를 발견하게 한다. 홍지희의 작업은 예술과 삶을 분리하지 않는다. 그에게 창작은 일상 속에서 길어 올린 감정과 생각을 나누는 또 하나의 소통 방식이며, 재료를 탐구하는 과정은 삶의 태도와 시간을 성찰하는 행위이기도 하다. 화면 위에 쌓이는 수많은 레이어는 단순한 물질의 중첩이 아니라 기억과 관계, 성장과 공존의 흔적을 담고 있다. 최근 작업인 〈Layered〉 시리즈에서 작가는 과거와 현재, 의식과 무의식, 디지털과 아날로그처럼 서로 다른 영역들이 맺는 관계에 주목하며, 눈으로 보이는 풍경 너머의 본질적인 세계를 탐구하고 있다.
Having accumulated extensive experience in visual language through various commercial projects, she began to focus on fine art to realize a deeper sculptural exploration of her inner self. The artist has been developing a narrative centered on the relationships, connections, and the accumulation of time by collecting and reconstructing objects, materials, and traces of memory encountered in daily life. In particular, she presents unique relief paintings by freely traversing various media, from artificial materials such as chemical substances, cosmetics, and glass shards, to natural elements like loess, charcoal, graphite, and salt. These daily by-products and discarded materials are reborn through the artist's hands into delicate and radiant canvases, allowing us to discover the new value of objects and existence within the cycle of consumption and production. Jeehui Hong’s work does not separate art from life. To her, creation is another form of communication—sharing emotions and thoughts drawn from daily life—and the process of exploring materials is an act of reflecting on her attitude toward life and the passage of time. The numerous layers built up on the canvas are not merely a superimposition of materials, but contain the traces of memory, relationships, growth, and coexistence. In her recent Layered series, the artist focuses on the relationships formed between different realms—such as the past and present, conscious and unconscious, and digital and analog—exploring a fundamental world beyond the visible landscape.
