![[2GIL29 GALLERY] Still, Between_1.JPG](https://static.wixstatic.com/media/e7ddc9_2a7717f4a6944daaaceb209cb801b570~mv2.jpg/v1/fill/w_1275,h_850,al_c,q_85,usm_0.66_1.00_0.01,enc_avif,quality_auto/e7ddc9_2a7717f4a6944daaaceb209cb801b570~mv2.jpg)
2026
10/14
11/06
Still, Between: A Gaze That Lingers| 고요한 사이: 머무는 시선
Still, Between: A Gaze That Lingers | 고요한 사이: 머무는 시선
Exhibition Period | October 14 – November 6, 2026
Woong Kim, Daewoong Nam, Heungsup Jung, Charlie Han, Dohyun Kim| 김 웅, 남대웅, 정흥섭, 찰리한, 김도현
Exhibition location: 2GIL29 GALLERY (Garosu-gil 35, Gangnam-daero 158gil, Gangnam-gu, Seoul 06034 Korea)
서울특별시 강남구 강남대로 158길 35 (신사동) 이길이구 빌딩 1층
Contact: Exhibition Planning Office 02-6203-2015
전시문의 02 6203 2015
Opening Hours: 10 am to 6 pm (Closed on Sunday, Monday and holiday)
관람시간 오전 10시 - 저녁 6시 화요일부터 토요일까지 (일요일, 월요일, 공휴일 휴관)
고요한 사이: 머무는 시선
이길이구 갤러리는 2026 년 10 월 14 일부터 11 월 6 일까지 김 웅, 남대웅, 정흥섭, 찰리한, 김도현 5 인의 작가가 참여하는 그룹전 《 고요한 사이: 머무는 시선 》을 개최한다. 이번 전시는 빠르게 변화하는 도시의 일상 속에서 잠시 시선을 전환하고, 예술을 통해 개인의 내면과 주변 세계를 돌아보는 기회를 마련하고자 한다. 가을은 계절의 변화와 함께 지나온 시간을 되돌아보고, 익숙한 풍경을 새로운 시각으로 바라보게 하는 시기이다. 이러한 계절적 특성에 주목한 《 고요한 사이: 머무는 시선 》은 현대사회의 빠른 흐름 속에서 점차 희미해지는 관조와 성찰의 가치를 조명한다. 수많은 이미지와 정보가 끊임없이 교차하는 도시에서 우리는 주변을 충분히 바라보거나 자신의 감각에 집중할 기회를 쉽게 놓치곤 한다. 전시는 일상에서 간과하기 쉬운 감정과 내면의 움직임에 주목하며, 예술적 경험을 통해 익숙한 현실을 새롭게 인식할 수 있는 가능성을 모색한다. ‘고요한 사이’는 단순히 소음이 사라진 정적인 상태를 의미하지 않는다. 이는 일상과 일상, 개인과 타인, 눈에 보이는 현실과 내면의 의식 사이에 존재하는 미묘한 간격을 뜻한다. 그 틈은 익숙한 시선에서 벗어나 사물과 현상을 새롭게 이해하고, 미처 인식하지 못했던 감정과 기억을 마주하는 사유의 공간이 된다. 이번 전시는 서로 다른 조형 언어와 매체를 활용하는 다섯 작가의 작업을 통해 이러한 인식의 전환을 다양한 방식으로 보여준다.
김 웅 (B.1944)은 주변 환경과 사물에 내재한 조형적 가능성을 발견하고, 색채와 형태의 관계를 통해 한국적 미의식을 동시대적인 감각으로 재해석한다. 사물은 그의 작업에서 단순한 재현의 대상을 넘어 고유한 색채와 형태의 질서를 지닌 조형적 존재로 거듭난다. 이를 통해 대상에 내재한 미적 가치와 감각의 층위를 섬세하게 드러낸다. 남대웅 (B.1974)은 이미지와 기억, 역사적 인식이 맺는 복합적인 관계를 회화적으로 탐구한다. 과거의 사건과 이미지가 기억 속에서 변형되고 때로는 신화적이거나 허구적인 서사로 재구성되는 과정에 주목하며, 우리가 진실이라 믿는 것의 형성 방식에 질문을 던진다. 그의 작업은 기억이 과거를 보존하는 수동적인 기록이 아니라 현재의 관점과 해석에 따라 끊임없이 재편되는 과정임을 보여준다. 정흥섭 (B.1975)은 소비재와 대중문화의 시각적 요소를 예술적 오브제로 전환하며, 소비사회 속에서 사물에 부여되는 상징과 가치에 주목한다. 기능과 용도를 중심으로 인식되던 대상은 예술적 맥락 안에서 새로운 의미와 관계를 형성한다. 이러한 전환은 사물을 바라보는 관습과 소비를 통해 형성되는 욕망, 나아가 대상의 가치가 결정되는 사회적 구조를 되돌아보게 한다.
미디어 아티스트 찰리한 (B.1973)은 사진과 시간 기반 매체를 활용해 이미지의 재현 방식과 현실 인식의 관계를 탐색한다. 미디어의 선택과 편집, 재구성은 현실을 전달하는 동시에 특정한 관점과 해석을 형성한다. 그의 작업은 이미지가 지닌 기록의 가능성과 한계를 드러내며, 우리가 접하는 정보와 시각적 경험이 어떻게 진실에 대한 믿음으로 이어지는지를 질문한다. 김도현(B.1995)은 반복적인 조형 행위와 선과 면의 중첩, 입체적인 질감의 축적을 통해 내면의 감정과 심리적 상태를 추상적으로 시각화한다. 반복과 축적을 통해 형성되는 화면의 리듬과 층위는 긴장과 이완, 균형과 변화가 공존하는 조형적 공간을 만들어 낸다. 그의 작업은 감각을 정돈하고 내면의 안정과 회복을 모색하는 과정으로, 보이지 않는 심리적 경험을 시각적 언어로 확장한다.다섯 작가는 사물과 이미지, 기억과 역사, 소비문화와 내면의 감정 등 서로 다른 영역을 탐구한다. 그러나 이들의 작업은 눈앞에 드러난 대상 너머의 의미를 질문하고, 우리가 세계를 인식하는 방식에 새로운 가능성을 열어 준다는 점에서 만난다. 각기 다른 매체와 조형 언어는 하나의 해석으로 수렴되지 않으며, 관람자의 경험과 감각에 따라 다층적인 의미를 형성한다.
《 Still, Between 》은 이러한 예술적 관점들이 교차하는 지점에서 출발한다. ‘머무는 시선’이라는 부제는 예술을 통한 성찰이 즉각적인 이해나 명확한 결론에 이르는 것이 아니라, 시간과 경험의 축적 속에서 깊어지는 과정임을 시사한다. 계절의 변화가 같은 풍경에 서로 다른 정취를 부여하듯, 작품 역시 관람자의 기억과 감정에 따라 새로운 의미를 드러낸다. 도심의 역동적인 흐름과 갤러리의 고요한 분위기가 만나는 이곳에서 감상은 단순한 시각적 경험을 넘어 자신과 세계의 관계를 되짚는 시간으로 확장된다. 이번 전시는 특정한 의미나 감상 방식을 규정하기보다, 다섯 작가의 서로 다른 예술적 언어를 통해 관람객이 각자의 질문을 발견하고 사유를 발전시킬 수 있는 열린 공간을 지향한다. 이길이구 갤러리는 작품과 관람자 사이에 형성되는 조용한 교감 속에서 예술을 바라보는 새로운 관점과 사유의 가능성이 피어나기를 기대한다.
고요한 사이: 머무는 시선 Still, Between: A Gaze That Lingers, October 14 – November 6, 2026 © 2GIL29 GALLERY
Still, Between: A Gaze That Lingers
2GIL29 GALLERY presents Still, Between: A Gaze That Lingers, a group exhibition featuring five artists—Woong Kim, Daewoong Nam, Heungsup Jung, Charlie Han, and Dohyun Kim—from October 14 to November 6, 2026. The exhibition invites visitors to shift their perspective amid the accelerating pace of urban life and to reflect on their inner selves and the world around them through art. Autumn, with its gradual transformation, offers an opportunity to look back on the passage of time and reconsider familiar surroundings from a different perspective. Drawing on this seasonal sensibility, Still, Between: A Gaze That Lingers explores the value of contemplation and introspection, qualities that can become increasingly elusive in contemporary society. In cities where images and information constantly intersect, we often lose opportunities to observe our surroundings attentively or reconnect with our own senses. The exhibition turns toward emotions and inner movements that are easily overlooked, exploring how artistic encounters can open up new ways of perceiving the world around us. “Still, Between” does not simply refer to a state of silence or stillness. Rather, it describes the subtle spaces between everyday moments, between oneself and others, and between visible reality and inner consciousness. These intervals become spaces for reflection, allowing us to move beyond habitual ways of seeing, reconsider the world around us, and encounter emotions and memories that may have remained unrecognized. Through the works of five artists employing distinct visual languages and media, the exhibition explores these shifts in perception from multiple perspectives.
Woong Kim (b. 1944) discovers the formal possibilities inherent in his surroundings and in objects, reinterpreting Korean aesthetic sensibilities through the interplay of color and form in a contemporary visual language. In his work, objects transcend their role as subjects of representation and emerge as distinct formal entities governed by their own chromatic and structural order. Through this approach, he delicately reveals the aesthetic value and sensory nuances embedded within his subjects. Daewoong Nam (b. 1974) investigates the complex relationships between images, memory, and historical consciousness through painting. He focuses on how past events and images are transformed through memory and sometimes reconstructed as mythic or fictional narratives, questioning how what we accept as truth comes into being. His work reveals memory not as a passive record that preserves the past, but as an ongoing process continually reshaped by present perspectives and interpretations. Heungsup Jung (b. 1975) transforms consumer goods and visual elements of popular culture into artistic objects, examining the symbolic meanings and values assigned to objects within consumer society. Objects conventionally understood through their functions and uses acquire new meanings and relationships within an artistic context. This transformation invites viewers to reconsider established ways of seeing, the desires shaped by consumption, and the broader social structures through which value is constructed.
Media artist Charlie Han (b. 1973) explores the relationship between image-making and the perception of reality through photography and time-based media. The selection, editing, and reconfiguration of media images do more than communicate reality; they also construct particular perspectives and interpretations. His work reveals both the possibilities and limitations of images as records, questioning how the information and visual experiences we encounter shape our understanding of truth. Dohyun Kim (b. 1995) translates inner emotions and psychological states into abstract visual language through repetitive gestures, the layering of lines and planes, and the accumulation of dimensional textures. The rhythms and layers that emerge through repetition and accumulation create formal spaces in which tension and release, balance and change coexist. His practice explores the possibility of inner stability and renewal, translating intangible psychological experiences into a tangible visual language. Together, the five artists explore distinct territories, including objects and images, memory and history, consumer culture, and inner emotional experience. Their practices converge in their questioning of what lies beyond the visible and in their capacity to open up new possibilities for understanding the world. Rather than leading to a single interpretation, their diverse media and visual languages generate multiple layers of meaning shaped by each viewer’s experiences and perceptions.
Still, Between: A Gaze That Lingers emerges from the intersection of these artistic perspectives. The subtitle, A Gaze That Lingers, emphasizes the act of looking beyond an immediate impression and allowing meaning to unfold through sustained attention. Just as the changing seasons lend different atmospheres to the same landscape, artworks reveal new meanings through the memories, emotions, and experiences each viewer brings to them. Situated at the intersection of the city’s dynamic rhythms and the gallery’s relative quiet, the exhibition transforms viewing into an opportunity to reconsider one’s relationship with oneself and the surrounding world. Rather than prescribing fixed meanings or a particular mode of interpretation, Still, Between: A Gaze That Lingers offers an open space in which visitors can discover their own questions and develop their reflections through the distinct artistic languages of the five participating artists. 2GIL29 GALLERY hopes that the quiet exchange between artworks and viewers will open up new perspectives on art and nurture possibilities for reflection, allowing each visitor to discover their own way of seeing and understanding the world.
Woong Kim 김 웅, Untitled, 2024, Oil on Canvas, 185 x 225cm
김 웅 (B.1944)은 1970년 이후 뉴욕으로 건너가 SVA (스쿨 오브 비쥬얼 아트)를 졸업하고, 예일대학교 미술대학원 졸업, SVA 에서 (1979-1987) 미술 교수로 재직한 바 있다. 뉴욕의 하워드 스콧(Howard Scott) 갤러리에서는 18년 동안(1988년-2006년) 전속작가로 활동하며, 크리스티, 소더비 옥션 등의 활발한 작품 거래 등은 뉴욕화단에서도 인정받는 한국 작가이다. 그의 작품은 추상회화의 특성을 띄는 듯 보이지만, 그 결을 들여다보면 형상성을 발견할 수 있다. 이는 작품들의 원천이 그의 기억 속에서 길어 올린 것들이기 때문이다. 그는 지층처럼 켜켜이 쌓인 과거의 순간들을 캔버스에 펼쳐 놓는데, 손수 옷을 지어 주시던 어머니의 천 조각보에서 쑥이나 꽃잎을 붙여 멋을 냈던 창호, 밥상보 같은 어린시절의 추억들은 그의 시선을 거치며 보물 상자 같은 작품으로 다시 태어난다. 유년시절의 사물들을 단순히 재현적 대상물로서가 아닌 창조적 영감의 원형으로서 바라보며, 그 안의 숨어있는 한국적 미감을 색채와 형식으로 녹여낸다.
떠나온 곳에 대한 추억은 시간 속에 곰삭혀져 단순한 회상적 장치를 뛰어넘어 '기억 속 심상'으로 위치하며, 작가로서의 토템적 근원을 제공하는 정신적 회귀처로 자리 잡고 있다. 특히 그의 작업은 순간적 영감에 의해 완성되곤 하는 현대회화의 작업 방식에서 조금 거리를 두며, 마치 기억을 하나 하나 꺼내어 중첩 시키듯이 반복적인 붓질의 색층을 쌓아 올려 완성되며, 그의 기억 속 심상으로 자리잡은 형상들은 오늘도 캔버스에서 시간성을 초월한 정신성으로 되살아나고 있다. 이는 그의 작품을 보는 이를 그의 추억 속으로 안내하며 그의 유년시절의 보물 상자를 풀어보게 하며, 시간의 흐름 속에 유구하게 살아남아 그의 정체성을 이룬 그 과정을 따라가는 한 예술가의 역사를 거슬러 올라가보는 심미적 여행을 제공한다. 지금도 뉴욕에서 생활하며 왕성하게 작업에 매진하고 있다.
Woong Kim (B.1944) went to New York in 1969 and studied B.F.A at School of Visual Art (SVA), M.F.A at Yale School of Art and worked as a professor in SVA (1979-1987). He had been an exclusive artist for 18 years (1988-2006) at the Howard Scott Gallery in New York City and has been also recognized by the New York art scene for his active transaction in Christie and Sotheby Auction. His painting appears to have a characteristic of abstract painting, but if you take a closer look at his work, a formative aspect exists in it. This is because his source of works originates from his memories. He unfolds an assemblage of a layered stratum of moments drawn from his memories on the canvas including his mother’s patchworks for making his cloth, Korea’s traditional windows, doors, and tablecloth adorned with a piece of mugwort or petals. They come to life through his artistic gaze and are turned into a treasure.
He considers things in his childhood not just as an object but a creative archetype and infuses Korean aesthetic sense of beauty into a form of colors and formation. A memory towards where he left has ripened into ‘an imagery in the memory’ going beyond just a trigger of remembrance, and it has become a totemic origin where he can return in his mind. In particular, his works are separate from a common way of making work often found in contemporary art, which leans on a spontaneous inspiration, and rather he accumulates a layer one by one by repetitive brushstrokes of layers as if he piles up a piece of his memories brought from the past. And they have become concrete forms and alive as a transcending spirituality over time. They let viewers go back to his memories and get into his precious time, which has survived over time and built his identity, as an aesthetic journey to the history of the artist.
![[2GIL29 GALLERY] Still, Between_2.jpg](https://static.wixstatic.com/media/e7ddc9_7d10303ce3d24361883662ff15c19913~mv2.jpg/v1/fill/w_695,h_843,al_c,q_90,usm_0.66_1.00_0.01,enc_avif,quality_auto/%5B2GIL29%20GALLERY%5D%20Still%2C%20Between_2.jpg)
Dewoong Nam 남대웅, 걸이범(杰利範)의 미끌림(시천동#1), 2026, 한지에 목탄 , 210 x 210cm
남대웅 (b.1974)은 대구 출생의 작가로, 미국 Parsons School of Design에서 BFA를, New York Institute of Technology에서 MA를 취득했다. 남대웅은 회화를 통해 이미지와 기억, 역사적 인식의 관계를 다룬다. 그의 작업에서 과거의 역사는 기억 속 이미지로 남고, 이러한 이미지가 다시 신화화되는 과정은 하나의 허구로 제시된다. 또한 사진과 영상 등 미디어 이미지가 지닌 조작과 왜곡의 가능성에 주목하며, 사진·영상 미디어와 회화가 이미지를 만들어내는 방식의 유사성과 차이를 탐구한다. 자연주의적으로 묘사된 풍경과 비현실적인 이미지의 병치는 익숙한 현실에 낯선 감각을 만들어낸다.
주요 전시로는 《Ultra Matrix》(Chengdu Contemporary Image Museum, 청두, 2026), 《System takes command, The new abnormal》(ABI Space, 항저우, 2025), 《전남 국제 수묵 비엔날레》(목포예술회관, 목포, 2023), 《매체 사람 인물》(대구예술발전소, 대구, 2018), 《의도적 긴장》(우민아트센터, 청주, 2014), 《나에게 너를 보낸다》(대구예술발전소, 대구, 2013), 《Wonderful Pictures》(일민미술관, 서울, 2009), 《IAS Media Screening 2008》(인사미술공간, 서울, 2008) 등이 있다. 서울시립미술관 난지미술창작스튜디오(2012–2013), 인천아트플랫폼(2009–2010), 대구예술발전소(2018), 공간 쌀(2025) 등의 레지던시 프로그램에 참여했으며, 아르코미술관 미디어 배급 프로그램(2009–2011)과 인사미술공간 미디어 배급 프로그램(2008–2009)에 참여했다.
Dewoong Nam (b.1974) was born in Daegu, South Korea. He received his BFA from Parsons School of Design and his MA from the New York Institute of Technology in the United States.Through painting, Nam explores the relationship between images, memory, and historical consciousness. In his work, the past remains as images in memory, and the process through which these images become mythologized is presented as a form of fiction. He also draws attention to the potential for manipulation and distortion inherent in photographic and moving images, examining both the similarities and differences between photography, video, and painting in the ways they construct images. The juxtaposition of naturalistically rendered landscapes with unreal or unexpected imagery creates a sense of unfamiliarity within seemingly familiar realities.
His major exhibitions include Ultra Matrix at the Chengdu Contemporary Image Museum, Chengdu, China (2026); System takes command, The new abnormal at ABI Space, Hangzhou, China (2025); Jeonnam International Sumuk Biennale at Mokpo Culture & Arts Center, Mokpo (2023); Media, People, Figures at Daegu Art Factory, Daegu (2018); Intentional Tension at Wumin Art Center, Cheongju (2014); I Send You to Me at Daegu Art Factory, Daegu (2013); Wonderful Pictures at Ilmin Museum of Art, Seoul (2009); and IAS Media Screening 2008 at Insa Art Space, Seoul (2008). Nam has participated in residency programs at SeMA Nanji Residency, Seoul (2012–2013); Incheon Art Platform, Incheon (2009–2010); Daegu Art Factory, Daegu (2018); and Space SSAL, Sacheon (2025). He also participated in the ARKO Museum of Art Media Distribution Program (2009–2011) and the Insa Art Space Media Distribution Program (2008–2009).
![[2GIL29 GALLERY] Still, Between _5.JPG](https://static.wixstatic.com/media/e7ddc9_9f214bf44809424d856b81eb6ec14a8f~mv2.jpg/v1/fill/w_788,h_526,al_c,q_90,usm_0.66_1.00_0.01,enc_avif,quality_auto/%5B2GIL29%20GALLERY%5D%20Still%2C%20Between%20_5_JPG.jpg)
Charlie Hahn 찰리한, Box 01, Ed. 1-3, 2024 , Photo print , 60 x 40cm each
찰리한(b. 1973)은 사진과 시간 기반 매체를 중심으로 정체성과 문화의 복합적인 관계를 탐구하는 한국계 미국인 미디어 아티스트이다. 1.5세대 한국계 미국인으로서 서로 다른 문화적 배경과 개인적 경험에서 비롯되는 정체성의 다층적인 특성에 주목하며, 대립과 합의, 종합과 역설, 변화의 과정을 통해 정체성이 형성되고 재구성되는 방식을 탐색한다. 그의 작업은 철학, 심리학, 사회학 등 다양한 학문적 관점을 바탕으로 개인과 사회, 문화적 환경 사이의 상호작용을 시각화한다. 특히 사진 작업에서는 빛과 구도, 이미지의 구성 방식을 통해 인간 경험의 미묘한 감정과 심리적 층위를 포착하며, 비디오 설치와 디지털 아트 등 시간 기반 매체를 활용한 작업에서는 시간의 흐름과 변형, 과거와 현재의 관계를 다룬다. 이를 통해 고정된 정체성의 개념을 넘어 개인의 경험과 사회적 맥락에 따라 끊임없이 변화하는 자아의 본질을 탐구하고, 관람자로 하여금 자신이 속한 문화와 정체성을 새롭게 성찰하도록 이끈다.
미국 Maryland Institute College of Art(MICA)에서 사진 전공으로 BFA를, 디지털 아트 전공으로 MA를 취득했으며, Towson University에서 Studio Arts 전공으로 MFA를 받았다. 미국을 비롯한 국내외 다양한 전시와 상영을 통해 작품을 선보여 왔으며, 주요 전시로는 이길이구 갤러리의 《Line+beep2》(2018), 《Vice Versa》(2019), 《Digits》(2021), 《Like you know it all》(2024)을 비롯해 대구예술발전소의 《Distinct Uncertainty》(2015), 《Super Romantics》(2014), 인천아트플랫폼의 《Overdrive: Incheon》(2013), 《Memophilia》(2010), 미국 Masur Museum of Art의 《48th Juried Exhibition》(2013), Johns Hopkins University Mattin Center의 《Zero to 3900》(2007) 등이 있다. 2005년 연세대학교 미디어아트연구소 연구원으로 활동했으며, 2015년부터 계명대학교 교수로 재직하며 예술 창작과 교육을 병행하고 있다. 또한 다양한 협업과 학제 간 접근을 바탕으로 문화적 다양성과 예술적 표현의 가능성을 확장하는 데 관심을 기울이고 있다.
Charlie Hahn (b. 1973) is a Korean-American media artist whose practice explores the complex relationship between identity and culture through photography and time-based media. As a 1.5-generation Korean-American artist, Hahn examines the multifaceted nature of identity shaped by diverse cultural backgrounds and personal experiences, investigating the ways in which identity is formed and redefined through opposition, consensus, synthesis, paradox, and transformation. Drawing on interdisciplinary perspectives from philosophy, psychology, and sociology, his work visualizes the interactions between individuals, society, and their cultural environments. In his photographic practice, Hahn captures the subtle emotional and psychological dimensions of human experience through light, composition, and visual structure. His time-based works, including video installations and digital art, further explore the passage of time, transformation, and the relationship between past and present. Through these artistic approaches, he challenges the notion of identity as fixed and instead presents the self as continuously evolving in response to personal experiences and social contexts, inviting viewers to reconsider their own cultural identities and perceptions.
Hahn received his BFA in Photography and MA in Digital Arts from the Maryland Institute College of Art (MICA), and his MFA in Studio Arts from Towson University in the United States. His works have been presented in numerous exhibitions and screenings both internationally and in Korea. Selected exhibitions include Line+beep2 (2018), Vice Versa (2019), Digits (2021), and Like you know it all (2024) at 2GIL29 GALLERY; Distinct Uncertainty (2015) and Super Romantics (2014) at Daegu Art Factory; Overdrive: Incheon (2013) and Memophilia (2010) at Incheon Art Platform; 48th Juried Exhibition (2013) at the Masur Museum of Art; and Zero to 3900 (2007) at the Johns Hopkins University Mattin Center. In 2005, he worked as a researcher at the Media Art Research Institute of Yonsei University, and since 2015, he has served as a professor at Keimyung University, combining his artistic practice with teaching. Through collaborative projects and interdisciplinary approaches, Hahn continues to explore new possibilities for artistic expression while fostering a deeper understanding of cultural diversity.
Heungsup Jung 정흥섭, 몸뚱어리, 기립2, 2026, 버터링 상자, mdf, led조명 90 x 50 x 50 cm
정흥섭(b.1975)은 서울을 기반으로 활동하는 작가이다. 아주대학교 영어영문학과를 졸업한 뒤 프랑스 낭시 국립예술학교(École Nationale Supérieure d’Art de Nancy)에서 국립조형예술학위와 국립고등조형예술학위를 취득했으며, 이후 스위스 제네바 예술학교(Haute École d’Art et de Design de Genève)에서 미디어아트 포스트학위 과정을 이수했다.
주요 전시로는 《일.있는.일.있을 수 있는. 일》(더스토어 남산, 서울, 2026), 《울트라 매트릭스_서남 리포지토리 프롤로그》(청두현대이미지미술관, 중국 청두, 2026), 《버리지 못하는 것들에 대하여》(서울대학교미술관, 서울, 2018), 《싱가포르 오픈 미디어아트 페스티벌》(토탈미술관, 서울, 2017), 《포스트모던 리얼》(서울대학교미술관, 서울, 2017), 《아트×게임_바츠혁명전》(경기도미술관, 안산, 2012), 《ASIAN ARTS MOBILITY》(광주시립미술관, 광주, 2011), 《CINE FORUM 4 : DIGITAL PORTFOLIO》(서울대학교미술관, 서울, 2008), 제10회 국제 이스탄불 비엔날레 《NIGHTCOMERS》(이스탄불, 2007), 《TRUE STORIES》(아테네 미술관, 제네바, 2007), 《REALITY STRIKES BACK》(Baumwollspinnerei, 라이프치히, 2007), 《APPARTEMENT》(낭시시립미술관, 프랑스, 2005) 등이 있다. 작품은 프랑스현대미술재단 FRAC Bretagne에 소장되어 있으며, 인천아트플랫폼 1기 레지던시에 참여했다. 계원디자인예술대학, 한국외국어대학교, 용인대학교에서 강의했으며, 저서로 『혼자를 위한 미술사』(클, 2018), 번역서로 쥴리앙 프레비외의 『입사 거부서』(2016)가 있다.
Heungsup Jung (b.1975) is an artist based in Seoul. After studying English Language and Literature at Ajou University, he attended the École Nationale Supérieure d’Art de Nancy in France, where he earned the Diplôme National d’Arts Plastiques and the Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique. He later completed a postgraduate program in media art at the Haute École d’Art et de Design de Genève in Switzerland.
His major exhibitions include 《일.있는.일.있을 수 있는. 일》 at The Store Namsan, Seoul (2026); 《Ultra Matrix_Southwest Repository Prologue》 at the Chengdu Contemporary Image Museum, Chengdu, China (2026); 《On Things We Cannot Throw Away》 at the Seoul National University Museum of Art, Seoul (2018); 《Singapore Open Media Art Festival》 at Total Museum of Contemporary Art, Seoul (2017); 《Postmodern Real》 at the Seoul National University Museum of Art, Seoul (2017); 《Art × Game_Bartz Revolution》 at the Gyeonggi Museum of Modern Art, Ansan (2012); 《ASIAN ARTS MOBILITY》 at the Gwangju Museum of Art, Gwangju (2011); 《CINE FORUM 4: DIGITAL PORTFOLIO》 at the Seoul National University Museum of Art, Seoul (2008); 《NIGHTCOMERS》 at the 10th International Istanbul Biennial, Istanbul (2007); 《TRUE STORIES》 at the Musée de l’Athénée, Geneva (2007); 《REALITY STRIKES BACK》 at Baumwollspinnerei, Leipzig (2007); and 《APPARTEMENT》 at the Musée des Beaux-Arts de Nancy, France (2005). His work is held in the collection of FRAC Bretagne in France. He participated in the inaugural residency program at Incheon Art Platform and has taught at Kaywon University of Art and Design, Hankuk University of Foreign Studies, and Yong In University. He is the author of 『A History of Art for One』 (2018) and translated Julien Prévieux’s 『Lettres de non-motivation』 into Korean in 2016.
Dohyun Kim 김도현, INTROSPECTION-2325, 2024, Found objects, glass, 85 x 45 x 91.5 cm
김도현( b. 1995)은 회화와 입체의 경계를 넘나들며 재료의 물성과 반복적인 조형 행위를 통해 인간의 내면세계와 감정의 흔적을 탐구하는 작가이다. 종이와 아크릴 물감, 목탄 등 다양한 재료를 활용하며, 특히 골판지의 구조적 특성을 이용해 독특한 질감과 입체적인 화면을 구현해 왔다. 작가는 인간이 타인과 관계를 맺으며 경험하는 감정과 내면에 축적된 기억을 반복되는 선과 면, 색채의 중첩으로 표현하고, 이를 통해 심리적 안정과 휴식, 회복의 의미를 모색한다. 대표적인 《INTROSPECTION》 연작에서는 물질의 반복과 축적을 통해 내면의 감정을 시각화하며, 평면과 입체가 공존하는 추상적 조형 언어를 발전시켜 왔다. 2021년부터 국내 여러 전시 공간에서 개인전을 개최했으며, 2022년 미국 로스앤젤레스에서 열린 단체전을 비롯해 국내외 전시에 참여하며 활동을 이어오고 있다.
Dohyun Kim (b. 1995) is an artist whose practice explores the human inner world and traces of emotion through the materiality of diverse media and repetitive artistic processes, moving between painting and three-dimensional forms. Working with materials such as paper, acrylic paint, and charcoal, Kim creates distinctive textures and sculptural surfaces, particularly by utilizing the structural qualities of corrugated cardboard. His work reflects on the emotions experienced through human relationships and the memories accumulated within the mind, translating them into overlapping lines, planes, and layers of color. Through these processes, he explores themes of psychological stability, rest, and emotional recovery. In his representative INTROSPECTION series, Kim visualizes inner emotions through the repetition and accumulation of materials, developing an abstract visual language in which two-dimensional and three-dimensional elements coexist. Since 2021, he has held solo exhibitions at various art spaces in Korea and participated in group exhibitions both domestically and internationally, including an exhibition in Los Angeles in 2022.
